РЕФЕРАТ

На тему «Мультипликация»

Работу выполнила

Володкович Ангелина

Учитель: Семёнова Лариса Васильевна

Г. Ульяновск 2016 год

Мультипликация

Всё об анимации

Мультиплика́ция (от лат. multiplicatio - умножение, увеличение, возрастание, размножение) - технические приёмы создания иллюзии движущихся изображений (движения и/или изменения формы объектов - морфинга) с помощью последовательности неподвижных изображений (кадров), сменяющих друг друга с некоторой частотой. Анима́ция (отфр. animation: оживление, одушевление) - западное название мультипликации: вид киноискусства и его произведение (анимационный фильм и, в частности, мультфильм), а также семейство соответствующих технологий.

(С) Википедия

История анимации

Первые шаги в анимации

70-е годы до н.э. - Римский поэт и философ Лукреций в трактате "О природе вещей" описал приспособление для высвечивания на экране движущихся рисунков.
Х-ХI вв. - Первые упоминания о китайском театре теней - типе зрелища, визуально близком будущему анимационному фильму.
XV в. - Появились книжки с рисунками, воспроизводившими различные фазы движения человеческой фигуры. Свернутые в рулон, а затем мгновенно разворачивавшиеся, эти книжки создавали иллюзию оживших рисунков.

В средние века также находились умельцы, развлекавшие публику сеансами движущихся картинок при помощи оптических устройств наподобие фильмоскопов, куда вставляли прозрачные пластины с рисунками. Такие аппараты называли волшебным фонарем или по-латински "laterna magica".

1646 г . - иезуитский монах Атанасиус Киршер дал первое описание устройства сконструированного им "волшебного фонаря" - прибора, который высвечивал изображение на прозрачном стекле. С XVII века в бродячих театрах по всей Европе проводились такие представления.

1832 г . - Попытки найти способы оживления рисунков посредством специальных аппаратов задолго предшествуют появлению кинематографа. Молодой бельгийский профессор Жозеф Плато построил еще в 1832 году маленький лабораторный прибор - фенакистископ, конструкция которого основана на способности сетчатки человеческого глаза сохранять изображения (название это происходит от греческого слова "фенакс" - обманщик и корня "скоп" - смотреть).

1832 г . - Тот же принцип был положен венским профессором Симоном фон Штампефером в основу стробоскопа. Эффект видимого движения при смене неподвижных изображений, сделанных на внутреннем диске, стал называться стробоскопическим эффектом. В середине XIX века этот прибор под названием "стробоскоп" получил широкое распространение как техническая игрушка. По существу это было рождением мультипликации в самой примитивной форме. Для того чтобы получить в стробоскопе или на киноэкране нужное движение, художнику приходится изготовлять (множить) большое количество рисунков, раскладывающих то или иное движение на составляющие его элементы. "Стробоскопом" был назван картонный барабан, насаженный на ось. На внутренней стороне этого барабана на бумажной ленте находилась серия рисунков (обычно их было от восьми до двенадцати), иллюстрирующих последовательные фазы движения человека или животного, совершающего определенное действие, например: бег страуса, ходьбу слона, скачку лошади, прыжки ребенка со скакалкой и т.п. Каждый последующий рисунок немного отличался от предыдущего тем, что он воспроизводил новый момент движения; последний рисунок каждого цикла являлся как бы замыкающим по отношению к первому рисунку. Вставив бумажную ленту с рисунками в барабан с узкими, продолговатыми отверстиями, прорезанными против каждого рисунка, и вращая барабан вокруг оси, зритель видел быструю последовательную смену рисунков, которая создавала полную иллюзию их движения.
1834 г. - Зоотроп, в котором, подобно стробоскопу, двигались наклеенные на ленту рисунки, был сконструирован английским математиком Уильямом Джорджем Хорнером. Впрочем, в оригинале аппарат Хорнера назывался "дедалеум" (в честь Дедала, который, по преданию, создал движущиеся картины людей и животных), и лишь последующие варианты этого аппарата (в частности, аппарат, который сконструировал в 1860 году француз Дезвинь , и аналогичный аппарат американца Уильяма Е. Линкольна ) закрепили за всеми подобными устройствами название "зоотропа".

Зоотроп на тему избиения младенцев «All things fall»

Смотреть видео: http://www.kulturologia.ru/blogs/170515/24532/

Технологии создания анимации

В настоящее время существует различные технологии создания анимации:

Классическая (традиционная) анимация представляет собой поочередную смену рисунков, каждый из которых нарисован отдельно. Это очень трудоемкий процесс, так как аниматорам приходится отдельно создавать каждый кадр.

Стоп-кадровая (кукольная) анимация. Размещенные в пространстве объекты фиксируются кадром, после чего их положение изменяется и вновь фиксируется.

Спрайтовая анимация реализуется при помощи языка программирования.

Морфинг – преобразование одного объекта в другой за счет генерации заданного количества промежуточных кадров.

Цветовая анимация – при ней изменяется лишь цвет, а не положение объекта.

3D-анимация создается при помощи специальных программ (например, 3D MAX). Картинки получаются путем визуализации сцены, а каждая сцена представляет собой набор объектов, источников света, текстур.

Захват движения (Motion Capture) – первое направление анимации, которое дает возможность передавать естественные, реалистичные движения в реальном времени. Датчики прикрепляются на живого актера в тех местах, которые будут приведены в соответствие с контрольными точками компьютерной модели для ввода и оцифровки движения. Координаты актера и его ориентация в пространстве передаются графической станции, и анимационные модели оживают.

Мищенко Наталья, ученица 10 класса МОУ СОШ № 32 г. Рыбинск

Результаты опроса десятиклассников показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме. Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Скачать:

Предварительный просмотр:

XIX городская открытая научная конференция школьников,

Посвящённая памяти академика А.А. Ухтомского

«Стили анимации»

Выполнила

Мищенко Наталья Игоревна,

ученица 10 класса

МОУ СОШ № 32

имени академика А.А. Ухтомского

Научный руководитель

Щербак Эллина Юрьевна

Рыбинск

2012 г.

Введение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 3

1. Происхождение анимационных техник и их развитие. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .4

1.1. История японской анимации. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 4

1.2. История студии Уолта Диснея. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .5

2. Сравнительная характеристика. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.1. Рисунок. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .6

2.2. Анимация. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.1. Сходства. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .7

2.2.2. Различия. . . . . . . . . . . .. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .9

2.3. Сюжет. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .10

3 «Kingdom Hearts» – игра, соединившая столь разные техники. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .11

Заключение. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .12

Литература. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 13

Приложения. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . .14

Введение

Актуальность данной проблемы обусловлена особенностями современной молодежной культуры. В последние годы японская анимация приобрела большое распространение на территории нашей страны. На больших экранах во многих городах России были показаны лучшие полнометражные произведения японской анимации – «Унесенные призраками» Хаяо Миядзаки, «Волчица и пряности» Такэо Такахаси, «Девочка, покорившая время» Мамору Хосоды, «Исчезновение Харухи Судзумии» Ясухиро Такэмото. Был даже снят один российский мультфильм с концепцией и графикой японской анимации – «Первый отряд». Для его создания были привлечены известные японские аниматоры, которые работали над мультфильмом совместно с российскими. Но данное направление в мультипликации получило довольно неоднозначную оценку, тогда как мультфильмы У. Диснея нравятся всем людям без исключения.

История аниме берет начало в XX веке, когда японские кинорежиссёры начинают первые эксперименты с техниками мультипликации, изобретёнными на Западе. Это говорит о том, что оба стиля анимации имеют общие истоки, одинаковые начальные наработки. Но в процессе развития они пошли по разным путям, чем и обусловлено так заметное в данное время их различие.

Результаты опроса 28 учащихся 10 класса показали, что среди учащихся есть увлекающиеся аниме (приложение 1). Также есть достаточно много слышавших о данном направлении в анимации и желающих узнать о ней больше.

Цель: выявление сходства и различия между анимацией студии Уолта Диснея и японской анимацией.

Задачи:

Проследить историю появления анимации Уолта Диснея и японской анимации.
Проанализировать сходства и различия в техниках анимаций.
Рассмотреть современную совместную работу студий.

Практическая значимость . Данная работа может быть использована на уроках по искусству, изобразительному искусству, во внеклассной работе.

1. Происхождение анимационных техник и их развитие

1.1. История аниме

Аниме, как самостоятельное направление в мультипликации возникло в 1958 г. и было официально признано как искусство в конце XX-го века. История аниме корнями уходит к началу XX столетия, когда японцы стали проявлять заметный интерес к иностранным техникам создания анимационных фильмов.

Несмотря на то, что эксперименты с анимацией проводились в Японии и до этого, первым заметным творением, относимым к аниме, стал показ «Истории о белой змее», мультфильма студии «Toei». Первый аниме-сериал выпустила студия «Otogi», представляющий собой чёрно-белые исторические мультфильмы. В 1963 г. Осаму Тэдзука, прозванный «Богом манги», основал студию «Mushi Productions» и выпустил свой первый аниме-сериал «Могучий Атом». Это стало началом бума аниме.

В течение 1970-x гг. аниме активно изменялось, разрывая связи со своими иностранными прародителями и рождая новые жанры, такие, как меха. Появлялись такие произведения, как «Люпин III» или «Мэйзингер Z». Многие известные режиссёры, в частности Хаяо Миядзаки и Мамору Осии, начинали свою карьеру в эти годы.

К 1980 г. аниме и манга (комиксы, зачастую дающие начало японским мультфильмам) широко распространились в Японии, и переживали свой так называемый «Золотой век». Были выпущены первые сериалы из цикла «Гандам», начала свой путь к вершине Румико Такахаси – создательница таких аниме как «Инуяша» и «Ранма 1\2». В 1988 г. полнометражный фильм «Акира» установил рекорд бюджета аниме-фильма и создал совершенно новый стиль анимации – более детальная проработка рисунка и так называемый прием «24 кадров в секунду». Это позволило сделать сюжет более динамичным, движения персонажей более плавными и реалистичными.

1990-е и 2000-е годы стали временем широкого признания аниме за пределами Японии. «Акира» и вышедший в 1995 г. «Призрак в доспехах», впервые объединивший традиционную анимацию и компьютерную графику, получили известность по всему миру. В 1997 г. полнометражный аниме-фильм «Принцесса Мононоке» собрал 160 миллионов американских долларов в Японии.

В разы возросло число как поклонников аниме, так и зрителей, смотрящих его от случая к случаю. В то же время в Японии продолжали совершенствоваться технологии создания и отрисовки аниме: студии переходили на компьютерную графику, активно применяя трёхмерную анимацию. Из детских мультипликационных фильмов начала XX века японская анимация превратилась в культуру, творящую разнообразные, серьёзные и забавные, эмоциональные и наивные, предназначенные для подростков, детей и взрослых произведения.

1.2. История студии Уолта Диснея

В 1920-1921 годах У. Дисней по заказу снял 12 коротеньких лент – «Смехограмм Ньюмена». Это единственные мультфильмы, сделанные полностью им, от начала и до конца (как художника, аниматора и автора). Эти сценки из канзасской жизни особого успеха не имели, но позволили (материально) автору начать осуществление его собственной идеи – серии экранизации сказок.

Экранные сказки У. Диснея не являлись иллюстрациями к любимым всеми книжкам, они представляли собой авторские анимационные интерпретации этих произведений. Так появились «Красная Шапочка», «Бременские музыканты», «Джек и бобовый стебель». Но эти творения публика так и не увидела, так как прокатчики их не признали. У. Дисней выпустил еще 9 лент, среди которых были: «Златовласка», «Кот в сапогах», «Золушка» и другие сказки. Его энтузиазм привел к разорению предприятия.

Следующим сериальным проектом У. Диснея стал «Освальд – счастливый кролик». Его изобразительное решение явилось логическим продолжением кота Юлиуса. «О-образный» стиль внешности персонажа был ежегодной «жертвой» кота Феликса, но автор в разработке самих сюжетов и гэгов проявил блестящее мастерство аниматора. Сюжет разрабатывался в литературной форме, затем весь скрипт переводился в раскадровку по эпизодам. Здесь же великий аниматор ввел и альбомы образцов. В них представлены не только все персонажи серии, но и типичные для них схемы движения (по ротоскопу).

В технической стороне У. Дисней тоже пошел на невиданные «жертвы» - нововведения. В технологию создания мультипликата он вводит понятия черновика, так называемый «черновой мультипликат». Именно поэтому многие творения диснеевской студии выглядят на экране такими безупречными, выверенными до мелочей.

Герой, созданный на студии У. Диснея вслед за Освальдом, станет ее символом на все последующие годы. Речь идет, разумеется, о Микки-Маусе. Хотя сначала мышонок получил имя Мортимер, вскоре от него пришлось отказаться. Внешний облик был разработан аниматором Юбом Айверксом, а характер, внутреннюю сущность вдохнул в нарисованного грызуна сам У. Дисней (озвучивал Микки поначалу тоже он). Первоначальный образ Микки больше напоминал настоящую мышь, чем всем известный облик «маленького мага». Но главный стиль есть главный стиль – он диктовал условия, и вскоре Мауса округлили до известного всему миру образа.

2. Сравнительная характеристика анимаций

Между любителями анимации уже давно идут жаркие споры о том, что же лучше – аниме мультфильмы или диснеевские. Сравнительную характеристику попытаемся провести по трем основным параметрам: рисунок, анимация и сюжет.

2.1. Рисунок

Самое интересное в вопросе о рисунке состоит в том, что любители Диснея обычно критикуют тот единственный элемент, который объединяет два разных стиля. Это большие глаза.

Ведь и в самом деле, глаза у западных мультяшек ничуть не меньше (если не больше), чем у японских. Да и как же быть иначе, если аниме позаимствовало эти большие глаза именно у диснеевских мультипликаторов, так как Осаму Тедзука в свое время проходил курсы повышения квалификации в Диснее.

В чем же причина нормального отношения к большим глазам в одном случае и неприятие их в другом? Все дело в том, что западные аниматоры пошли по пути карикатурного рисования, а японские – реалистичного. И то, что на заведомо карикатурно деформированном персонаже смотрится вполне естественно, на лице человека выглядит немного ненатурально.

Кроме того, глаза японских персонажей выделяются гораздо сильней, чем у западных, и за счет большого количества бликов, и за счет цвета, и за счет более детальной прорисовки, что заставляет обратить на них более пристальное внимание. Кому-то это нравится, кому-то нет. Но в любом случае, большие глаза всегда придают персонажу более милый и доброжелательный вид, чем маленькие.

Так чем же различаются западный и японский стили рисования? Главных отличий два:

1. Карикатурность западных персонажей и реалистичность японских. Персонажи аниме, конечно, тоже достаточно сильно деформируются для создания того или иного эффекта, но карикатурности в них нет.

2. Основная форма, заложенная в диснеевских героях – шар или яйцо. Все линии мягкие и округлы, острых углов почти нет даже у самых злобных злодеев. В основе же внешности японских героев лежит клин. Подбородок, нос, плечи, форма тела, постоянно развевающиеся волосы, и огромное количество складок – все острое, торчащее, «колющее» взгляд. Даже глаза, и те имеют форму шестиугольника с клинообразными ресницами.

Кроме различий в рисовании самих персонажей часто в спорах упоминается отличия в рисовании задних планов. Причем обвинения звучат с обеих сторон, каждый так и норовит обвинить противника в плохой прорисовке фона. Но неудачные задние планы есть как в одной, так и в другой анимации, поэтому различать их по этому показателю неправильно.

2.2. Анимация

Анимация на западе сделана значительно лучше японской. Даже сейчас, когда во всю используются компьютерные технологии, движения в диснеевских мультфильмах сорокалетней давности выглядят более приятно и плавно, чем сейчас у японских аниматоров. Аниме, во многом, остается просто комиксом, в который добавили немного динамики для связи различных кадров. Единственным исключением из этого правила является, пожалуй, только Хаяо Миядзаки. В аниме много статичных картинок, которые просто меняют свое положение в пространстве, у Диснея же, почти каждый кадр живет и дышит. Во многом, такое восприятие обуславливается опять-таки карикатурностью мультяшек. Их движения можно гипертрофировать как угодно для создания большего эффекта жизни. К людям же из аниме такой механизм не применим. Зато развевающиеся волосы и плащи - вот в чем японцы достигли настоящего совершенства.

2.2.1. Сходства

«Медленный вход» и «медленный выход». Разрабатывая выразительные позы художник вкладывает все свое мастерство, поэтому именно эти моменты должны быть дольше видны зрителю. Для этого ассистенты дорисовывают движения так, что больше всего кадров оказывается рядом с ключевыми позами. При этом персонаж как бы проскальзывает движение от одной компоновки к другой, медленно выходя из позы и замедляясь у другой. Японские аниматоры хорошо усвоили данный принцип. В некоторых местах они не только используют его, но и значительно усиливают его действие для придания еще большей инерции персонажу.

Движения по дугам . Этот принцип является вторым революционным открытием Диснея. Живые организмы всегда передвигаются по дугообразным траекториям. В основном характер траектории зависит от скорости движения. Этот принцип объединяет обе техники. Именно благодаря ему движения персонажей, насколько карикатурными бы они не были, выглядят плавно и естественно.

Сквозное движение и захлест. Суть принципа состоит в том, что движение никогда не должно прекращаться. Существуют такие элементы как уши, хвосты, одежда, которые постоянно должны находиться в движении. Движение отдельных элементов тела в то время как тело уже не двигается называется захлестом. В анимации У. Диснея захлест и сквозное движение используются значительно умереннее чем в аниме, однако этот принцип также получил распространение.

Ни в одной анимации мира сквозное движение не развито так как в аниме. Волосы персонажей почти всегда развеваются по ветру. Плащи волшебников и рыцарей могут развеваться даже в закрытых помещениях. Японцы уделяют очень много внимания сквозному движению и захлесту, это придает еще более живой вид персонажам.

Второстепенные действия. Часто для придания персонажу большей выразительности используют вторичные движения. Например, горюющий персонаж может часто сморкаться в платок, а удивленный подергивать плечами. В аниме такой прием называется «фансервис» - изображение предметов или специфических движений, не влияющих на сюжет, но способных дополнить психологический портрет героя (иногда не несет такого подтекста и служит для заполнения экранного времени)

Расчет времени. При расчете времени учитываются вес, инертность, объем и эмоциональное состояние героя. Настроение также передается скоростью движений персонажа. Так подавленный персонаж движется очень вяло, а воодушевленный достаточно энергично. Расчет времени имеет место в обеих системах анимации.

Профессиональный рисунок. Рисунок – основа всего. На студии Диснея довольно часто встречаются таблички вроде: «Чувствуется ли в твоем рисунке вес, глубина и равновесие?». Аниме и профессиональный рисунок – также понятия неразделимые. В Японии дизайном персонажей (kara-settei) занимаются отдельные люди. Многие художники сделали на этом свое имя.

Привлекательность. Привлекательность персонажа – путь к успеху всего фильма. Привлекательность имеется в обеих системах анимации. Привлекательность персонажей складывается из нескольких факторов:

Большие глаза придают герою юный и доброжелательный вид.

Большая голова – делает героев похожими на детей. Даже самый страшный монстр может стать безобиднее мышонка, если ему немного изменить пропорции тела.

У взрослых персонажей часто очень длинные ноги (чуть больше туловища с головой), за счет чего они выглядят более стройно.

Преувеличение. Уолт Дисней всегда требовал от своих работников большего реализма, на самом деле стремясь больше к «карикатурному реализму». Если персонаж должен был быть печальным, он требовал, чтобы его делали мрачным, счастливого же нужно было делать ослепительно сияющим. В аниме также работает этот принцип.

2.2.2.Различия

Сжатие и растяжение. Это, пожалуй, одно из самых значительных открытий Диснея за всю историю анимации. Этот принцип произвел революцию в мире анимации. Благодаря сжатию и растяжению персонажи уже не выглядели «каменными». Суть принципа состоит в том, что живое тело всегда сжимается и растягивается во время движения.

В аниме же сжатие и растяжение почти не используется. В то время как Дисней пошел по пути карикатур, аниме художники пошли по пути реализма, поэтому тела людей и животных становятся не безразмерными, а вполне реалистичными. Сжатие и растяжение может использоваться больше только в аниме для детей или нарисованных в чиби-стиле (карикатурный стиль рисовки)

Упреждение (или отказное движение). В реальной жизни для произведения какого-либо действия, человеку часто приходится делать подготовительные движения. Любой принцип Диснея является преувеличением, поэтому очень часто его герои, прежде чем побежать, осуществляют своеобразный замах ногой, что смотрится слишком смешно.

Аниме фильмы – это больше театр нежели карикатура. Так же на этот принцип откладывают отпечаток и всевозможные восточные единоборства. Бойцы обычно двигаются почти безинерционно, и ударам очень редко предшествует замах, позволяющий увидеть и блокировать его.

Сценичность. Для правильного восприятия персонажа зрителями все его движения, позы и выражения лица должны быть предельно просты и выразительны. Этот принцип основан на главном правиле театра. Камера должна быть расположена так, чтобы зритель видел все движения персонажа, а одежда не должна скрывать его движения.

Во время прохождения курсов повышения квалификации в Диснее Осаму Тедзука («бог японской анимации») не только изучал принципы Диснеевской анимации, но и сумел подойти к ним несколько с другой стороны. В аниме все внимание сосредотачивается на выражении лица и позе персонажа, что приводит к большему эмоциональному воздействию на зрителя.

2.3. Сюжет

Это одно из самых сильных мест в аниме. Сюжеты есть на любой вкус – и для взрослых и для детей, для мальчиков и девочек, про животных и гигантских роботов (приложение 2).

Как видно из данного списка, у аниме достаточно много жанров, предназначенных для людей разного возраста, преимущественно подростков.

На западе же, можно выделить только три основных сюжета: сказка для детей (чаще всего на классическом сюжете), «жертва-охотник» и супергерои. Обычно аниме рассчитано на более взрослую аудиторию, чем мультфильмы Диснея и поэтому сюжет многих затрагивает жизненные проблемы.

3. «Kingdom Hearts» - игра, соединившая столь разные техники

Как признаются авторы «Королевство сердец», идея игры появилась у них случайно. В феврале 2000-го сотрудники компании Square Enix Тецуо Номура и Синдзи Хасимото во время случайной встречи в лифте поделились с представителями Disney сумасшедшей мыслью. Отчаянные японцы предложили смешать персонажей Disney и Final Fantasy. Более года ушло на то, чтобы утрясти все формальности, и вот на выставке E3 в мае 2001-го «Королевство сердец» – игра во многом уникальная, соединившая в себе культуры Запада и Востока, – была впервые представлена публике. От компании Уолта Диснея произведение получило добрый сказочный мир и обаятельных, знакомых всем с детства героев, а от японцев – берущий за душу сюжет и умение собрать все компоненты в единое целое, работающее, словно дорогие швейцарские часы.

Вселенная игры состоит из десятков обособленных островков, каждый из которых посвящен одному из классических мультфильмов Диснея. Путешествуя между мирами, вы встречаете множество знакомых с детства персонажей вроде Аладдина или бурундуков Чипа и Дейла, хотя они частенько выступают в необычных амплуа. Те же Чип и Дейл тут подрабатывают механиками межпланетных кораблей, непутевый добряк Гуфи вдруг стал капитаном королевских гвардейцев, а Дональд Дак – придворным колдуном. По соседству с бурундуками и селезнями живут томные герои JRPG, например Клауд и Сефирот из Final Fantasy.

Казалось бы, ничто не может нарушить идиллию этих миров, но вдруг начинают происходить жуткие события. Повсюду пропадают люди и появляются странные создания, названные впоследствии Heartless (Бессердечные) и Nobodies (Никто). Это мрачные тени, возникающие после того, как человек лишается сердца: первые представляют собой физическое воплощение тьмы, которая и забирает сердца, а вторые – то, что остается от человека после «операции». Некоторые из них разумны, но большинство – нет. Для борьбы с чудищами существуют вооруженные кейблейдами мастера ключей. Кейблейд – особое оружие в виде гигантского ключа, которое нельзя украсть у его владельца и которое способно открыть и закрыть любой замок.

Данная игра получила большую популярность сразу после своего выхода во многих странах мира.

Заключение

Изучив литературу по данной теме, мы пришли к следующим выводам:

1. Оба стиля анимации отталкивались от одинаковых наработок. Современная анимация студии У. Диснея, пройдя большой промежуток времени, претерпела не сильные изменения. В её структуре лишь появились новые технологии и герои, подсказанные временем. Основные же правила остались прежними со времен великого аниматора.

Японская анимация, появившаяся как крепкое самостоятельное направление лишь в 1958 г., изменила принципы У. Диснея для создания собственного неповторимого стиля. Она развила и доработала, а иногда и полностью переработала многие принципы анимации а также создала собственный стиль рисунка.

Между аниме и анимацией студии У.Диснея больше сходств, чем различий. Это обусловлено тем, что они развивались на основе созданных и отработанных У.Диснеем правил анимации. Сходства проходят по основным правилам, в которых заключается создание реалистичных движений и привлекательности образов персонажей – главное, без чего любой мультфильм будет смотреться плохо и неказисто.

Основные различия же заключаются в рисунке и сюжетной направленности. Благодаря этому аниме и выглядит своеобразным и отличным от своего прототипа.

Итогом совместной работы аниматоров западного и восточного направления стало создание новой серии игр под названием «Королевство сердец». Она соединила столь разные на данный момент стили анимации, благодаря чему и выглядит необычно и красиво. Такого органичного соединения не произошло бы, не имей направления анимации общих «корней».

Литература

Аниме и Дисней muxacko. [Электронный ресурс]. – http://www.drawanime.ru/ ?pg=art&id=14
Гаврилов А. Анимационные сериалы США сквозь годы звука, цвета и телевидения. [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=53726
Гаврилов А. Сериальные работы Уолта Диснея: как появился Микки-Маус? [Электронный ресурс]. – http://www.proficinema.ru/questions-problems/articles/detail.php? ID=64961
История аниме. [Электронный ресурс]. – http://ru.wikipedia.org/wiki/
Комарницкий С. Kingdom Hearts: Birth by Sleep. [Электронный ресурс]. – http://www.igromania.ru/articles/118532/Kingdom_Hearts_Birth_by_Sleep.htm
12 законов и принципов анимации. [Электронный ресурс]. – http://www.cgtarian.ru/poleznosti/12-zakonov-i-principov-animacii.htm

Приложение 1

Анкета для учащихся 10-х классов

Уважаемые учащиеся! Просим вас ответить на вопросы данной анкеты для определения актуальности работы по теме «Стили анимации»

Вопрос: Слышал ли ты когда-нибудь о таком стиле мультипликации как аниме?

Варианты ответа:

Не слышал
Слышал
Увлекаюсь

Результаты анкетирования учащихся 10-х классов

Ряд 1 – увлекаются

Ряд 2 – слышали, хотят узнать подробнее

Ряд 3 – не слышали

Приложение 2

Словарь популярных жанров японской анимации

Сказка – жанр кодомо-аниме, экранизация классических сказок.
Комедия – разновидность аниме, главное для которого – юмор: пародии, комедии положений, словесные и трюковые шутки.
История – разновидность аниме, действие которого связано с теми или иными реальными историческими событиями.
Драма – достаточно редкий для аниме жанр драматически-трагического повествования. Основной признак – отсутствие выраженного счастливого конца.
Научная фантастика (НФ) – аниме, действие которого связано с существованием и использованием техники, не существовавшей на момент создания этого аниме (межзвездных космических кораблей, бластеров и т.д.) Обычно НФ-аниме излагает возможную историю будущего человечества, часто его сюжеты связаны с контактами с пришельцами.
Космическая опера – разновидность НФ-аниме, концентрирующаяся на войнах, проходящих с активным использованием космических кораблей.
Меха – сложные механизмы, как правило, самодвижущиеся, не имеющие реальных прототипов (т.е. придуманные специально для данного проекта). Обычно этим термином обозначают «гигантских роботов», огромные человекоуправляемые боевые машины. Жанр «меха» характеризуется активным использованием меха.
Сэнтай – дословно «группа/команда», жанр аниме, рассказывающий о приключениях небольшой постоянной команды персонажей, борющихся с кем-либо или с чем-либо.
Меха-сэнтай – то же, что и сэнтай, но команда персонажей при этом пилотирует один или несколько меха.
Махо-сёдзё – «девочки-волшебницы», жанр сёдзё-аниме, рассказывающий о приключениях девочек, наделенных магической силой. Концентрируется на проблемах женского взросления.
Спокон – жанр аниме, рассказывающий о юных спортсменах, добивающихся успеха путем воспитания в себе воли к победе. Объединение слов «спорт» и «кондзё» («сила воли»).
Киберпанк – жанр аниме, рассказывающий о мире будущего, жизнь которого полностью определяют компьютерные технологии. Картины будущего при этом представляются мрачными и антиутопическими.
Паропанк – жанр аниме, рассказывающий об альтернативных нашему мирах, находящихся на уровне технического развития, соответствующему Европе конца XIX века. Этот период характеризуется началом революции технических средств передвижения – появление дирижаблей, аэропланов, паровозов, пароходов. Техника, однако, все еще воспринимается простыми людьми не как нечто привычное и банальное, а как нечто чудесное и, зачастую, демоническое. Паропанк возник как альтернатива киберпанку. Если киберпанк обычно основывается на футуристической эстетике, то паропанк – на эстетике ретро.
Фэнтези – аниме, рассказывающее о мирах, которыми правит не технология (как в НФ), а «меч и магия». В фэнтези часто фигурируют не только люди, но и разнообразные мифологические существа – эльфы, гномы, драконы, оборотни, люди-кошки, а также боги и демоны.
Путешествие между мирами – разновидность аниме, в котором главный герой или герои перемещаются между параллельными мирами, обычно – между миром современной Японии и фэнтези-миром.
Мистика – жанр аниме, действие которого связано с взаимодействием людей и различных таинственных сил. Последние не поддаются однозначному научному описанию, чем отличаются, скажем, от магии в фэнтези. Отношения с ними обычно связаны с различными моральными проблемами.
Парапсихология – жанр аниме, действие которого связано с парапсихическими силами (телепатия, телекинез, гипноз).
Апокалиптика – разновидность аниме, повествующее о наступлении Конца Света.
Постапокалиптика – разновидность аниме, повествующее о жизни после глобальной катастрофы – Конца Света.
Романтика – аниме, повествующее о любовных переживаниях.
Мыльная опера – жанр романтического сёдзё-аниме, концентрирующийся на изложении сложных и запутанных любовных историй.
Школьная мыльная опера – разновидность мыльной оперы, описывающая любовные истории школьников.
Повседневность – аниме, описывающее повседневную жизнь обычных японцев (обычно - среднего класса) со всеми ее радостями и бедами.
Социальный фильм или сериал – аниме, поднимающее животрепещущие проблемы современного общества.
Психологический триллер – жанр аниме, повествующее о «приключениях человеческой души». Попадая в необычные ситуации, герои таких аниме переживают сложные и непредсказуемые психологические изменения.
Боевик – жанр сёнэн-аниме, действие которого связано с боевым противостоянием.
Самурайский боевик – жанр исторического сёнэн-аниме, действие которого связано с войнами самураев и ниндзя.

Предварительный просмотр:

Чтобы пользоваться предварительным просмотром презентаций создайте себе аккаунт (учетную запись) Google и войдите в него:

Урок из серии: «Работа в редакторе Flash»

Анимация (от лат. а nimare – оживить) – имитация движения или изменения формы статических объектов.

Помимо термина «анимация» широко употребляется и термин «мультипликация» (от лат. multiplicatio – умножение, размножение).

Кадры – это нарисованные или сфотографированные изображения последовательных фаз движения объектов или их частей. При просмотре последовательности кадров возникает иллюзия оживления изображенных на них статических персонажей.

Для создания эффекта плавного изменения формы и положения объектов частота смены кадров, исходя из особенностей человеческого восприятия, должна быть не менее 12-16 кадров в секунду.

В кино используется частота 24 кадра в секунду, в телевидении – 25 или 30 кадров в секунду.

Прорисовка всех фаз движения (кадров) в первых мультфильмах требовала огромных трудозатрат. Так, для мультфильма продолжительностью 5 мин при частоте 24 кадра в секунду необходимо 7200 рисунков. При этом многие кадры содержат повторяющиеся фрагменты, которые приходилось многократно перерисовывать.

Поэтому с 20-х гг. XX в. начали применять упрощенную технологию анимации: на статичный, неизменный рисунок стали накладывать прозрачные пленки с изменяющимися подвижными элементами. Это был первый шаг в механизации труда художника-аниматора, который получил развитие в компьютерных технологиях.

В компьютерной анимации рисуются лишь некоторые опорные кадры (их называют ключевыми ), а промежуточные генерируются (рассчитываются) компьютерными программами. Независимая анимация отдельных элементов изображения обеспечивается созданием графических объектов для каждого персонажа и размещением их на разных слоях (подобно прозрачным пленкам в классической анимации).

Основные виды компьютерной анимации: покадровая анимация и автоматическая (движения и формы).

Покадровая анимация (мультипликация) состоит в прорисовке всех фаз движения. Все кадры при этом являются ключевыми.

Автоматическая анимация заключается в рисовании ключевых кадров, соответствующих основным фазам или этапам движения, и последующем автозаполнении промежуточных кадров.

В основе любой анимации лежит фиксация фаз движения объектов – определение в каждый момент времени их положения, формы, размеров и иных свойств, например цвета. Эту операцию называют фазовкой или таймингом.

Чтобы уменьшить трудозатраты и избежать ошибок при работе на компьютере, полезно сначала наметить фазы на бумаге.

При анимации движения неодушевленных объектов можно ограничится указанием траектории движения и фиксации объектов в наиболее важных положениях.
Пример 1. Брошенный в горизонтальном направлении мяч трижды ударяется о пол. Зарисовать несколько фаз движения.

Нарисуем траекторию движения центра мяча. Изобразим положение мяча в моменты удара о пол (1, 2, 3) и наибольшего подъема (2 ,4). Добавим несколько промежуточных положений.

Пример 2. Зарисовать фазы движения шагающего и бегущего человечка.

Изобразим фазы движения, как показано на рисунке.

Процесс создания анимации шаг за шагом - вот что мы хотели рассмотреть в этой статье. Уже готовые вы можете посмотреть на сайте студии. А здесь поговорим о процессе. Прочитав этот текст, Вы сможете понять, как обычно проходит работа в этой области, кто участвует в процессе (кратко рассказывается о работе копирайтеров, сценариста, художников, аниматоров, дикторов, звукорежиссера), и получить первоначальное представление с чего можно начать процесс обучения анимации.

Работу лучше разделить на несколько основных этапов и двигаться шаг за шагом, нужна ясность в процессе работы создания анимации.

СОЗДАНИЕ МУЛЬТФИЛЬМА

Статья

Как создать мультфильм

Часто спрашивают, как создаются мультфильмы? В этой статье мы попробуем кратко но наглядно рассказать, как выглядит этот процесс. Многое зависит от того, зачем Вам нужен мультфильм.

Если Вы хотите заказать анимационный ролик для своей компании, то, конечно, нужно обращаться к профессионалам. Если мультик в подарок своим знакомым или родственникам, тут можно делать что-то попроще, но лучше тоже делать все как надо. Это дело небыстрое и требующее профессионализма всех участников процесса.

Если Вы хотите сами научиться делать мультики или как-то связать свою работу с мультфильмами, то этот текст поможет понять, как примерно все это делается и кто в этом процессе участвует.

Этапы создания

Работу лучше разделить на несколько основных этапов. Удобнее разделить работу на части и последовательно продвигаться шаг за шагом, особенно, если вы делаете мультфильм не в свое удовольствие, а для кого-то и нужна ясность в процессе работы создания анимации.

1. Написание сценария мультфильма

На этом этапе копирайтером разрабатывается общая концепция, идея мультфильма. Часто люди уже имеют какое-то представление, что им хочется видеть в мультфильме. Иногда даже бывает, что сценарий уже полностью разработан.

Если этого нет, то составляется бриф (что-то вроде опросника), в котором перечислены основные вопросы, на которые предлагается ответить. Обычно, это вопросы о целях, которые преследуется, о целевой группе, на которую ориентируются в создании мультфильма, о продолжительности мультфильма, предпочтениях в стилистике, озвучке и т.п.

После заполнения такого брифа ситуация сильно проясняется и можно переходить к созданию сценария мультфильма. Имея заполненный бриф сценарист предлагает, обычно, несколько разных идей сценария на выбор. Выбранный вариант дорабатывается в полноценный сценарий.

После утверждения сценария можно начинать разработку персонажей.

2. Разработка персонажей

К разработке персонажей, обычно, приступают, когда уже известны основные задачи мультфильма, целевая группа и предпочтения по стилистике. По сценарию художник иллюстратор или, так называемый, концепт артист разрабатывает образ каждого из героев мультфильма. Иногда отдельным этапом еще до прорисовки персонажей разрабатывается описание характера каждого из персонажей - такой портрет каждого из героев в текстовой форме. Делается это для того, чтобы художник при разработке визуального образа уже четко представлял себе характер персонажа.

Сначала, как правило, художник делает какие-то черновые скетчи, простые зарисовки карандашом или на планшете. На этом этапе не важен ни цвет, ни четкость прорисовки. Главное сначала найти подходящий образ. Создается 1-3 разных вариантов образа персонажа. Если ничего не понравилось, то можно сделать дополнительные варианты.

После утверждения наброска следующим этапом идет уже его чистовая доработка и окончательная прорисовка в цвете и векторе (в случае если это флеш мультфильм).

Так происходит с каждым из персонажей. Когда все персонажи разработаны и утверждены, можно смело приступать к раскадровке.

3. Раскадровка

Нужно заметить, что раскадровка, вообще, является необязательным этапом. Раскадровка помогает понять еще до начала создания анимации, как примерно будет выглядеть мультфильм. Поэтому если есть какие-то особенные пожелания или опасения на этот счет, то раскадровка для мультфильма может быть полезна.

Суть раскадровки проста - это отрисовка основных сцен мультфильма в статике. Из раскадровки можно понять как будут выглядеть сцены в мультфильме, их последовательность, продолжительность (если раскадровка с таймкодом), расположение основных предметов на фоне и, также, расположение персонажей относительно фона.

пример раскадровки для мультфильма

Раскадровка может быть черно-белой в виде скетча карандашом, может быть и цветной в растре или в векторе. Детализация и прорисовка тоже может быть разной - всё зависит от сложности мультфильма и задач.

Обычно, раскадровки достаточно для понимания, как будет все выглядеть в мультфильме. После того, как раскадровка готова, чаще всего, можно приступать к созданию анимации. Но в некоторых случаях (когда нужна 100% уверенность, что все будет в мультфильме именно так, как хотелось бы) требуется еще один промежуточный этап - аниматик.

4. Аниматик

Аниматик - это анимированная раскадровка. Это уже не статичные картинки, но еще и не мультфильм - нечто среднее между ними. Аниматик, обычно, создается четко по раскадровке и по времени мультфильма (если мультфильм на 30 секунд, то и аниматик делается ровно на 30 секунд, чтобы можно было понять продолжительность каждой сцены, прежде, чем ее сменит следующая).

Пример создания аниматика

Наиболее важные моменты могут быть уже анимированы в аниматике (полностью или условно). Что-то может быть схематически показано стрелками, вставлены какие-то дополнительные поясняющие кадры, что-то подписано текстом и т.д. Аниматик не обязан быть чистовым. Его функция - сделать более понятным материал из раскадровки.

5. Создание мультфильма

Аниматик готов и утвержден. Теперь можно заниматься созданием мультика. Все необходимое для этого у аниматора уже есть. Параллельно с анимацией художник-фоновщик может заниматься фонами. Также, для полноценного мультфильма, обычно, требуется озвучивание анимации.

Озвучивание может быть разного уровня сложности и состоять из следующих составляющих: дикторская начитка или работа актеров, озвучивание событий в мультфильме, наложение музыки, написание стихов, песни, оригинальной музыки, сведение всего материала.

Но вернемся к анимации. У каждого аниматора есть своя схема работы, которая ему нравится больше, и к которой он привык. Чаще всего, сначала по аниматику аниматор делает отрисовку основных локаций персонажей. После этого уже идет анимирование промежуточных кадров между этими локациями и все остальное.

Основные принципы мультипликации

В классической анимации (мультипликации) мультфильм создается из последовательности статичных картинок (кадров). Частота кадров может быть разная (чаще всего, это от 12 до 30 кадров в секунду). То есть за секунду просматривается 12-30 кадров, каждый из которых немного отличается от предыдущего. За счет этого создается видимость движения.

Чем больше кадров в секунду, тем более плавное движение, чем меньше, тем более прерывистое. Для флеш мультфильмов в интернете, чаще всего, используется 12-18 кадров в секунду - это связано с тем, что делать 24-30 кадров в секунду в 2 раза дольше, чем 12-15. Для ТВ стандарт Pal 24-25 кадров для NTSC 30 кадров в секунду. Но, конечно, лучше и для интернета делать те же 24-25 кадров в секунду - такая анимация выглядит более плавно и красиво.

Нужно сказать, что мультфильмы для интернета - это, обычно, флеш мультфильмы. Эта программа анимации ориентирована именно на интернет и имеет ряд особенностей, которые позволяют упростить работу над мультфильмом и уменьшить размер конечного файла.

Размер файла мультфильма был очень важен несколько лет назад, когда все сидели еще на модемах и о повсеместном использовании онлайн видео не могло быть и речи - слишком медленно все грузилось. Тогда формат swf был незаменим для мультфильма. Однако сейчас ситуация сильно изменилась - интернет стал быстрым и недорогим, и мультфильмы, чаще, уже переводят в видео формат.

На видео анимация в программе Флеш

Что касается оптимизации труда аниматора, флеш предлагает, тоже, интересные решения. Классическая покадровая анимация очень трудоемка и для интернета это совершенно нерентабельно, как правило. На флеше можно делать анимацию как покадрово, так и перекладкой (с помощью motion tweening), также, в последних версиях программы добавлена возможность создания анимации по скелету, ну и, само собой, использование символов (анимационные куски могут быть зациклены и использованы по многу раз где нужно). Все это существенно помогает сократить время и сделать анимацию быстрее. Безусловно, анимация по скелету, перекладкой или покадрово будет в каждом из этих случаев выглядеть по-разному. Разумнее всего сочетать эти возможности, добиваясь оптимального результата.

Постпродакшн, компоузинг для мультфильмов

Постпродакшн и компоузинг для мультфильмов - это работа, которая может проводиться уже после того, как мультфильм готов. Это является необязательным этапом (флеш мультфильмы, обычно, делаются без него). Однако, этот этап нельзя недооценивать, если речь идет об использовании красивых растровых картинок в мультфильме, интересных красочных эффектов, создании мультфильма для ТВ. Анимация может быть в смешанной технике. К примеру, может быть видео людей снятое с хромакеем (на зеленом фоне, который в последствии удаляется при компоузинге). Скажем, какие-то люди танцуют на этом видео. Можно сделать анимированные фоны и поместить туда этих танцующих людей, то есть они будут танцевать уже в такой мультяшной стране. Или, наоборот, фотографии или видео могут быть использованы как фон, а сверху могут быть наложены анимированные персонажи.

Можно, например, снять на видео какой-то ресторан, а потом сделать анимированного повара, который ходит по ресторану и рассказывает, как всё в нем устроено. С помощью компоузинга можно достичь красивого органичного совмещения анимации с фонами, сделать цветокоррекцию и т.п. Все это позволяет сделать мультфильм максимально привлекательным и законченным.

Нужно сказать, что мультфильмы для интернета - это, обычно, флеш мультфильмы. Эта программа анимации ориентирована именно на интернет и имеет ряд особенностей, которые позволяют упростить работу над мультфильмом и уменьшить размер конечного файла

Программы для анимации

Существует множество программ для работы с анимацией. Есть разные техники и анимации и разные варианты программ позволяющие создавать мультфильмы в тех или иных техниках.

Самые популярные из них: Adobe Flash, Toonz, Toon Boom Studio, Adobe After Effects, Anime Studio. Есть и многие другие, но ограничимся в этой статье этими.

Flash стал лидером в создании анимации для интернета за счет своих гибких возможностей. Toon Boom Studio можно назвать аналогом, имеющим свои особенности, конечно, и без таких возможностей программирования, как у флеша.

Toonz больше подходит для покадровой анимации. After Effects - очень мощная программа для создания эффектов, теледизайна, компоузинга, также, в ней можно делать анимацию с растровой перекладкой. Anime Studio интересна своей простотой, возможностью анимации по скелету и качественным рендером растра.

В общем, все зависит от задач и предпочтений. Есть еще программы для 3d анимации, пластилиновой анимации и т.п. Но это уже отдельный разговор.

Посмотрите мультфильмы нашей студии здесь:

"Здесь, тем не менее, мы оглядываемся назад, но не стоим на месте. Мы стремимся вперед, открываем новые пути, беремся за новые дела, потому что мы любопытны... и любопытство гонит нас по новым дорогам. Только вперед. " (Уолт Дисней)

О технологии анимации

Иногда, между мною и заказчиком возникают недопонимание при согласовании технических особенностей будущих анимационных произведений. Статья поможет вам лучше разбираться в вопросах технологии анимации.

Для начала, что бы не запутаться, мне хотелось бы выделить 3 основных критерия по которым можно судить об анимации: виды анимации, методы анимации и стили анимации. Для многих - это одно и тоже, но это не так! Виды анимации - это то, в каком виде или форме демонстрируется мультфильм (рисованный, кукольный и т. д). Методы анимации - это технические особенности с помощью которых создается анимация (покадровая анимация, программируемая анимация и т. д). И наконец, стиль анимации - это художественный прием, который используется в анимации (реализм, аниме и т. д). В этой статье я рассмотрю понятие "виды анимации" в более развернутом виде, а впоследствии прибавлю к этому "методы" и "стили". Все это вместе и есть технология анимации.

Рисованная классическая анимация.

Один из самых интересных и распространенных видов анимации, это так называемая классическая анимация. Классическую анимацию делают рисуя на прозрачной пленке (или кальке) каждый отдельный кадр. Затем эти кадры собирают в специальной программе монтажа. Такая анимация очень живая, плавная, пространственная, но дорогая))). Примером такой анимации могут послужить мультфильмы студии "Дисней" и "Союзмултфильм".

Кадр из мультфильма "Белоснежка и семь гномов" студии "Дисней"

Перекладная анимация.

Старейший вид анимации. Суть этого вида анимации в том, что нарисованный на картоне или бумаге объект режется на отдельные кусочки и эти кусочки передвигаются (перекладываются) от кадра к кадру. Отсюда и название - перекладка! Многие считают такую анимацию примитивной, но в умелых руках такие мультфильмы могут получиться очень интересными. Одним из самых ярких примеров перекладной анимации можно смело назвать мультфильм "Ежик в Тумане" режиссера Юрия Норштейна. "Ежик в тумане" был признан мировым сообществом САМЫМ ЛУЧШИМ МУЛЬТФИЛЬМОМ ВСЕХ ВРЕМЕН И НАРОДОВ!!! Вот тебе и перекладка... Вот тебе и примитивно...

Кадр из мультфильма "Ежик в тумане" режиссера Юрия Норштейна

Живопись на стекле.

А вот здесь примитивным анимацию точно не назовешь! Суть такой анимации в рисовании масляными красками по стеклу. Каждый кадр при этом - это живописная картина, которая видоизменяется мазками художника. Ярким примером такой анимации является произведение Александра Петрова "Старик и море", которое было удостоено премией "Оскар".

Кадр из анимационного фильма "Старик и море" режиссера Александра Петрова.

Кукольная анимация.

То же старинный вид анимации. Все куклы и декорации в кукольной анимации изготавливаются вручную, что делает ее такой же дорогой, как и классическая анимация. Тем не менее такой вид анимации очень популярен даже сегодня (несмотря на распространение компьютерной 3д анимации). Если сказать честно, то кукольная анимация мне в детстве не нравилась))) Но прозрение наступило, когда я увидел мультфильм Тома Бертона "Кошмар перед рождеством".

Кадр из мультфильма "Кошмар перед рождеством" режиссера Тома Бертона.

Пластилиновая анимация

Название пластилиновая анимация говорит само за себя. Добавлю только то, что пластилиновая анимация вышла из кукольной анимации и стала популярной у нас в России после появления мультфильмов "Падал прошлогодний снег" режиссера Александра Татарского.

Кадр из мультфильма "Падал прошлогодний снег" режиссера А.Татарского.

Компьютерная 2д анимация.

Хотим мы того или не хотим, но на смену старым видам анимации приходят новые. Компьютерную 2д анимацию почему-то принято называть Flash анимацией и это не совсем верно. Flash - это только одна программа. Можно назвать и другие мощные компьютерные программы для создания 2д анимации, например: After Effect, Anime Studi Pro, Toon Boom Studio и еще множество платных и бесплатных программ. В настоящее время компьютерной 2д анимацией занимаются почти все студии. Именно такую анимацию мы видим сегодня в сериалах по телевизору, в интернете, в казуальных компьютерных играх и т. д.

Кадр из анимационного сериала "Симсоны"

3д анимация.

3д анимация - вид мультипликации созданный на базе компьютерных 3д программ. Это самый молодой и самый перспективны вид анимации. С развитием компьютерных технологий стало возможным не только рисовать графику и анимацию в двухмерной плоскости (2д анимация), но и оживлять трехмерные формы. Технология эта очень сложная, но если рассказать коротко, то процесс производства выглядит примерно так. Сначала рисуются концепт арты (любым способом), по этим рисункам создают трехмерную геометрию модели. Затем текстуры, которые надеваются на форму персонажа или объекта. Далее создают кости объекта и прикрепляют их к форме, что бы форма смогла двигаться. Аниматоры получают подготовленную модель для движений и начинают ее оживлять. Чем лучше подготовлена модель, тем ее движения получаются естественнее и пластичнее. После создания анимации сцена визуализируется (переводится из 3д в обычную картинку). Яркими примерами такой анимации являются мультфильмы студии Пиксар.

Кадр из мультфильма "Рататуй" студии Пиксар.

Комбинированная анимация.

Комбинированная анимация - это совмещение любого из видов анимации с видеофильмом. Ранними примерами такой анимации могут быть: фильм "Кто подставил кролика Роджера", мультфильм "Приключение Капитана Врунгеля" и т. д. С развитием 3д технологии и компьютерных спецэффектов этот вид анимации встречается в художественных фильмах все чаще и чаще. Основной особенностью современной комбинированной анимация заключается в ее полной реалистичности.

Кадр из фильма "Мир юрского периода" режиссера Стивена Спилберга

Другие виды анимации.

Кроме перечисленных видов анимации существуют и другие, например: песочная анимация, лазерная анимация, фото анимация, игольчатая анимация и т. д. Однако, эти виды считаются менее популярными и в данной статье я позволил себе о них лишь упомянуть.

Виды анимации в студии Картонная Башня.

Наша студия анимации специализируется на производстве компьютерной 2д анимации. Благодаря гибким возможностям компьютерных программ мы можем создавать как перекладную, так и классическую анимацию одновременно. Так же нам по силам создание и 3д анимации. В качестве примера, вы можете посмотреть на 3 ролика из нашего портфолио:

1. Компьютерная 2д анимация в классической манере.

Все вопросы