МЕТОДЫ РАБОТЫ АКВАРЕЛЬЮ.

АКВАРЕЛЬНЫЕ ТЕХНИКИ

Проценко Елена Владимировна

Курск 2016 г.

Введение

1. Разработать урок по теме: «Акварельная живопись»

Методы исследования:

Анализ психолого-педагогической и специальной литературы по теме данной работы.

Список литературы

1. Базанова, Е. Стихия воды и краски. О технике акварельной живописи [текст] / Е. Базанова.-М.: «Просвещение», 2008. - 256с.
2. Браун, К. Акварель. Цветы. Энциклопедия [текст] / К.Браун. – M.: «Арт-Родник», 2011. – 192 с.
3. Винер, А.В. Как пользоваться акварелью и гуашью [текст] / А.В.Виннер. – М.: «Искусство», 2009. – 193 с.
4. Керси, Д. Деревья и леса. Акварель [текст] / Д. Керси.-М.: «Контэнт», 2010. - 250с.
5. Комесанья, П. Рисуем акварелью. Полный курс [текст] / П.Комесанья. – Белгород: Книжный клуб «Рисуем акварелью. Полный курс», Книжный клуб «Клуб семейного досуга», 2011. – 56 с.
6. Косминская, В.Б., Халезова, Н.Б. Основы изобразительного искусства и методика руководства изобразительной деятельности [текст] / В.Б.Косминская– М.: «Просвещение», 2008. – 125 с.
7. Крошоу, Э. Как рисовать. Акварель. Пошаговое руководство для начинающих» [текст] /, Э.Крошоу. – М.: «Астрель», 2006. – 174 с.
8. Крошоу, Э., Крошоу, Д., Ваух, Т. Акварель. Все что надо знать [текст] / Э.Крошоу. – М.: «Астрель», 2006. – 159 с.
9. Кунц, Д. Основы акварели. Цвет [текст] / Д.Кунц.-М.: «Попурри», 2006. – 169 с.
10. Лаветт, Д. Акварель - это просто [текст]: Руководство для начинающих / Д.Лаветт. – М.: «Попурри», 2005. – 189 с.
11. Либралато, В., Лаптева, Т. Школа акварели [текст] / В.Либралато.-М.: «Эксмо», 2012. – 96 с.
12. Назаров, А.К. Основные способы акварельной живописи [текст] / А.К.Назаров. – M.: «Орбита-М», 2011. – 145 с.
13. Найс, К. Акварель для начинающих [текст] / К.Найс. – M.: «Попурри». 2010, – 314 с.
14. Ревякин, П.П. Техника акварельной живописи [текст] / П.П.Ревякин. – M.: «АСТ», 2009. – 187 с.
15. Розенберг, К. Классические пейзажи [текст] / К.Розенберг. – М.: «Арт-Родник», 2008. – 153 с.
16. Сервер, Ф. Акварель для начинающих» [текст] /Ф.Сервер. – M.: «Астрель», 2008. – 128 с.
17. Фенвик, К. Курс акварельной живописи: пейзаж за считанные минуты [текст] / К.Фенвик. - М.: «ACT», 2007.- 45с.
18. Харрисон, Т. Пейзажи акварелью. Полный курс для начинающих» [текст] /Т.Харрисон. – M.:, «БММ», 2010. – 116 с.
19. Шитов, Л.А., Ларионов, В.Н. Живопись. Уроки изобразительного искусства» [текст]: Кн. для учащихся/ Л.А.Шитов. – М.: «Просвещение», 2005. – 189 с.
20. Шматова, О. Самоучитель по рисованию акварелью [текст] / О.Шматова. – М.: «Эксмо», 2007. – 80 с.

Приложение 1

Условная классификация акварельных техник.

Предварительный просмотр:

МБОУ ДОД «ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ №5 г. КУРСКА»

МЕТОДИЧЕСКАЯ РАЗРАБОТКА НА ТЕМУ:

МЕТОДЫ РАБОТЫ АКВАРЕЛЬЮ.

АКВАРЕЛЬНЫЕ ТЕХНИКИ

Выполнила: преподаватель изобразительного искусства

Проценко Елена Владимировна

Курск 2016 г.

Введение.........................................................................................................3

Глава1. Теоретические основы техники акварельной живописи

1.1.Особенности акварельной живописи....................................................5

1.2. История акварельной техники ………………………………………7

1.3. Классификация акварельных техник..................................................10

Глава 2. Техники акварельной живописи на уроках изобразительного искусства

2.1. Изучение техник акварели в ДШИ………………………………...22

2.2. Разработка урока по теме: «Акварельная живопись. Теплые и холодные краски»........................................................................................27

Заключение..................................................................................................32

Список литературы.....................................................................................34

Приложение.................................................................................................36

Введение

Акварель – это чувство. Таковы возможности и особенности этого материала – насыщенность и нежность цветов, энергия и плавность мазка, темп в работе. Они отвечают глубине чувства, оттенкам переживания. (Н. Петрашкевич).

В изобразительном искусстве существует огромное количество самых разнообразных материалов. Одни из них используются довольно редко, другие наоборот известны каждому. К таким широко известным материалам относится акварель.

Акварелью называют краски, растворителем для которых служит вода. Они экологичны, не требуют сложного оборудования, просты в употреблении. Поэтому акварельные краски используют как для детского, так и профессионального творчества.

Акварель выполняется, как правило, на бумаге, поэтому ее часто относят к графическим техникам. Вместе с тем по своим живописным возможностям ее трудно не отнести к живописи. Уникальность акварели заключается в ее промежуточном положении между двумя крайне интересными видами изобразительного искусства.

Важнейшей особенностью акварели является ее прозрачность. Это свойство материала позволяет передавать глубину пространства световоздушной среды, изменчивость и подвижность окружающего мира, разнообразие цветовых и тональных отношений.

В тоже время акварель портативный и достаточно доступный по стоимости материал. Ею удобно пользоваться как при работе на природе, так и в условиях мастерской.

Акварель обладает широкими техническими возможностями. Акварельные работы могут быть построены на тончайших цветовых переходах прозрачного красочного слоя или глубоких сочных цветовых пятнах.

В ней может быть использовано ровноокрашенное или с неповторимыми затеками пятно, разной формы красочные мазки и линии.

Есть у акварели еще одна особенность. Она не любит поправок. А это требует от исполнителя виртуозного владения не только техническими приемами акварельной живописи, но и умения уверенно рисовать. Именно поэтому акварель следует отнести к одной из самых сложных живописных техник. Разумеется, и процесс освоения приемами письма акварелью, требуют серьезной и целенаправоенной работы.

Возникает вопрос о целесообразности изучения акварельной живописи на первоначальной стадии обучения изобразительному искусству. Отвечая на него можно привести массу доводов как «за», так и «против» использования этого материала в целях обучения детей изобразительному искусству.

Объект исследования: процесс обучения живописи на уроках изобразительной деятельности.

Предмет исследования: техники и методы акварельной живописи на уроках изобразительной деятельности.

Цель работы – определить необходимость изучения методов и техник. акварельной живописи на уроках изобразительной деятельности.

Для достижения поставленной цели следует решить следующие задачи:

1. Выделить особенности акварельной живописи;
2. Рассмотреть виды акварельных техник;
3. Выявить особенности изучения акварельной техники на уроках изобразительной деятельности;
4. Разработать урок

Идей для творчества много не бывает, а если в творческом процессе участвуют и дети — согласитесь, он часто становится не только творческим, но и исследовательским. С простыми техниками использования акварели, которые с новой стороны покажут нам свойства некоторых обычных предметов, знакомит нас сегодня в Анастасия Борисова , автор блога English4.me — Английский для меня и моей семьи . Блог Анастасии не только о языке, но и о творчестве, так что сегодня мы идём на экскурсию в творческие кладовые и изучаем простые акварельные техники и приёмы.

Как много творческих и всесторонне развитых мам здесь, на ! И интересные находки поджидают нас на каждом шагу. Многие мамы, видя после каких-либо занятий невероятный результат работы своего 2-4 летнего ребёнка — пусть и не всегда такой, как задумывалось — восклицают: «Как оригинально и просто! Где этому учат?» Всем хочется cтать немножко волшебницей для своих детей.

Вот и я, пользуясь простейшими приемами, я за 15 минут нарисовала зимний ландшафт, который муж посчитал достойным выставить на продажу. 🙂

Лучшие детские книжки

Нестандартное использование материалов и разнообразие создаваемых эффектов дают ребенку ощущение «Я могу!», а маме, которая всю жизнь думала, что не умеет рисовать, позволяют преодолеть «Я не умею».

Акварель — штука текучая и непослушная. Мы будем использовать как раз эти её не всегда удобные свойства, создавая «шедевры» в основном «по-мокрому».

1. Crayon resistance effect — проявления воскового мелка

Это, пожалуй, самая распространенная техника. Восковым мелком или свечой наносится рисунок или надпись на лист бумаги, а сверху прокрашивается акварелью. Используя белый мелок или свечку, можно делать секретные записки или поздравления; жёлтый мелок создает эффект свечения; яркие голубые, зелёные и розовые под тёмной акварелью — неоновый эффект. Можно также совмещать эту технику с натиркой. Под лист кладем фактурную подложку (все, что найдётся дома) и сверху натираем плоской стороной мелка. Если делать это аккуратно, а подложить листики или какой-то рельефный объект, получаются отличные отпечатки.

2. Salt — соль по мокрой акварели

Посыпав на ещё влажный прокрашенный лист соль, можно добиться занятных эффектов. Средне-крупная соль при высыхании оставляет «снежинки» на синем. На зелёном фоне получится полупрозрачная листва. Мелкая соль-экстра засыхает практически намертво. Так можно добавить фактуры дороге, камню, создать галактику.

3. Blotting — выбеливание краски.

Удаляя сухой салфеткой с листа излишек воды и слой краски, можно нарисовать зимние ели, покрытые снегом, или пену морскую. Бледная луна или солнце получатся, если обернуть бумажной салфеткой тубус от туалетной бумаги и промокнуть акварельное небо. Даже уже высохший рисунок можно подправить, сбрызнув его водой и аккуратно потерев нужное место.

Если скомкать салфетку, и приложить её к голубому небу, по получатся очень натуральные облака.

Смятая салфетка позволяет получить также интересную текстуру. Текстурные листы можно потом с успехом использовать при создании коллажей.

4. Pressing — продавливание

На рисунке выше видна четкая надпись тёмными буквами (I …). Она сделана на мокрой акварели кончиком кисти (краска как бы стекается в продавленные ложбинки). Таким образом можно подписывать рисунок или добавлять детали. По тому же принципу действует помещение листа мокрой акварели с фактурным объектом на ней под пресс. Лучше всего, конечно, листья так отпечатывать. Но даже из перьев и ветки елки выходит неплохая декоративная картинка.

5. Splatter and spray — разбрызгивание

Зубная щетка плюс акварель помогут сделать дождик, снег, листопад, изобразить ветер. Интересно просто брызгать разными красками на сухой лист. Увлажненный лист даст совсем другой эффект. Можно будет понаблюдать, как капельки расплываются, сливаясь друг с другом в причудливый орнамент.

Разбрызгивать можно вокруг трафарета, или наоборот внутри него. Обеспечен неизменно оригинальный результат. Только не забудьте застелить газетами рабочее пространство, краска разлетается далеко.

6. Masking tape — рисование с помощью малярного скотча

Я с удивлением обнаружила, что вышеупомянутый скотч отлично по нескольку раз отклеивается от бумаги, а значит его мы и используем как основу для трафарета. Его можно рвать руками на неровные полоски и рисовать лес.

Отлично получаются любые геометрические композиции. В толщину скотча можно даже вырезать что-то более детальное, как, например, домики на первом фото. Главное — этот трафарет не нужно дополнительно крепить и придерживать, и вероятность попадания под него краски не велика, если края хорошо пригладить.

7. Foam painting — рисование пеной

Весёлье и красивая текстура в одном флаконе. В ёмкости нужно смешать воду, немного жидкого мыла и много-много краски. Вручаем ребёнку трубочку и разрешаем выдувать пузыри. Как только вырастает высокая шапка, прикладываем к ней бумагу. Ребенка при этом лучше вовсе раздеть, чтобы потом проще отмыть было.

8. Alcohol and citric acid — алкоголь и лимонная кислота

Обе жидкости как бы «раздвигают» и «выедают» краску. Капля спирта дает эффект «рыбий глаз» (fish eye), при этом его летучесть может создать ещё дополнительные ареолы вокруг этого глаза, похожие на гало вокруг солнца. Очень необычно.

Лимонный сок хорошо расползается по свежей акварели, а на подсохшую уже никак не влияет. Он сам довольно сильно растекается, поэтому важно не переусердствовать. В идеальном варианте получаются вот такие «мохнатые» кляксы. Их после высыхания можно превратить в монстриков или еще кого-нибудь, добавив руки, ножки, глазки.

9. Stamping — штампование

На мой вкус, со штампами лучше работать красками погуще — гуашью, акрилом. Использовать можно всё, что под рукой, а также вырезать штампики из картошки, отпечатывать овощи на срезе и пр. Акварель хорошо подходит для создания текстур. Берем салфетку, окунаем в краску и оставляем следы, вполне похожие на камни, например.

10. Plastic cling wrap — пищевая пленка

Вы знали, что пленка тоже умеет рисовать? Достаточно постелить ее на мокрую акварель и подвигать. Получаются ледяные кристаллы или другого рода абстракции.

Если сделать одно большое ровное «окошко», обрамленное морщинками, то после высыхания краски вы увидите, скажем, озеро, или полынью. На фото даже как будто роза получилась.

11. Blowing — раздувание

Еще один прием рисования трубочкой. И снова нужно дуть, но теперь как можно сильнее, гоняя капельку краски по листу.В итоге у вас получатся замысловатые деревья или просто смешные чудики, или, возможно, волосы для предварительно нарисованного персонажа.

Если хотите, можно позволить краске самостоятельно течь, куда ей захочется. Просто переверните лист вертикально, а потом пофантазируйте с ребенком, на это это похоже.

12. Light table — световой стол

Или окно, проще говоря. 🙂 Эта техника не для малышей, зато мама сможет создать галерею детских портретов при желании. Все родственники будут на год вперед обеспечены подарками. В детстве все, думаю, «сводили» картинки, прикладывая оригинал с белым листом к окну. А если взять фото? В фото-редакторах нужно добиться того, чтобы осталось 2 цвета — чёрный и белый (функция posterize).

Дальше есть несколько вариантов действий. Можно закрасить все белые места восковым мелком или свечкой, а потом пройтись акварелью. Получается интересно, но не очень чисто, потому что отследить, где мелок прошёлся, довольно сложно.

Можно просто карандашом обвести все белые пятна, а потом аккуратно остальное залить краской. Это не так долго и не так сложно, как кажется. Просто чуточку терпения и аккуратности, и у вас за детский дневной сон 3-4 портрета.

Если решите ставить дело на поток, то в хобби-маркетах лучше приобрести резервирующую жидкость для акварельной бумаги. Её кистью наносим на белое, сверху проходимся акварелью, а потом снимаем резерв, как пленочку с листа. Быстро, чисто, оригинально.

Муниципальное бюджетное образовательное учреждение

ДЕТСКАЯ ШКОЛА ИСКУССТВ №3 г. Курск

Методическая разработка на тему:

«Натюрморт в технике акварель ». по программе "Живопись" с нормативным сроком обучения 5 лет

Разработчик: .

г. Курск 2015 г.

Введение.

В задачу курса живописи входит развитие у учащихся способности видеть и изображать окружающий мир во всем многообразии цветосветовых отношений. Пользуясь живописными средствами, научить лепить форму цветом, овладеть техническими приемами акварельной живописи, гуашью.
В результате работы учащиеся должны научиться последовательно вести этюд, брать цветовые отношения, передавать световоздушную среду и материальность предметов. Программа предполагает последовательность в обучении живописи.
В процессе обучения важным моментом является воспитание у детей эмоционального восприятия цвета и понимание его выразительного образного содержания.
Большую часть работы по живописи представляет натюрморт. Все задания тесно связаны между собой и чередуются в логической последовательности. Натюрморт в учебной практике способствует росту творческого потенциала учащихся, совершенству вкуса, мастерства, композиционного мышления, техники, способности передавать свет, объем формы, материал.
Акварель незаменима в преподавании изобразительного искусства, ибо среди художественных материалов для школьников выделяется своей доступностью, не требует сложных специальных приспособлений, обладает живописной выразительностью.

Цели уроков:

Развитие у учащегося способности мыслить объёмами в пространстве и видеть сложность мира через светоцветовое взаимодействие предметов

Овладение знаниями и навыками профессиональной грамотности в области живописи;

Формирование эстетически развитой и творческой личности.

Задачи уроков:

Развить зрительную память, цветоощущение;

Научить видеть цвет в зависимости от освещения, от предметов находящихся рядом, от «плановости».

Ознакомить учащихся с теоретическими основами живописи;

Раскрыть эстетическую сущность реалистической живописи;

Дать необходимые знания и практические умения методического характера.

Материалы исполнения:

карандаш, кисти, акварельные краски, палитра и бумага.

Оборудование:

Акварельная бумага, натянутая на планшет. Мольберт, баночка для воды.

Построение учебного процесса должно способствовать развитию интереса к творческой деятельности. Для реализации поставленных задач осваивается техника акварельной живописи.

Тема: « Натюрморт в технике акварель».

Цель:
образовательная: знакомство с правилами последовательной работы над натюрмортом;

развивающая: развивать умения и навыки работы с материалом и ведения последовательной работы над натюрмортом с соблюдением правил композиции, конструктивного построения и живописи;

воспитательная: воспитание эстетического и художественного вкуса, восприятия гармонии окружающего мира; воспитание аккуратности и внимательности при выполнении работ с применением акварели.

Техника акварельной живописи. Способы и приемы письма.

Техника акварельной живописи – это совокупность специальных навыков, способов и технических приемов письма, посредством которых выполняется художественное произведение. Также она рассматривает вопросы, связанные с наиболее рациональным и планомерным использованием художественных возможностей материалов в моделировке предметов, в лепке объемной формы, в передаче пространственных отношений и т. п.
Изобразительные и выразительные возможности акварельной живописи во многом зависят не только от знания материалов и инструментов и умении их применять во время работы, но также и от владения приемами и способами письма. В процессе изучения технических приемов и способов письма акварельными красками освоение техники должно опираться на глубокое исследование и использование творческого опыта мастеров живописи, лучших произведений классического и современного искусства.

В художественной практике акварельной живописи существуют различные технические приемы, которые распределены на три части по способам письма: способ работы по сухой бумаге, способ работы по сырой (увлажненной) бумаге, комбинированные и смешанные техники.

Работа по сухой бумаге

Этот способ письма широко используется в реалистической живописи и давно зарекомендовал себя как традиционный (классический). Простота и доступность этого способа письма позволяет широко использовать его в учебном процессе. Он основан на использовании естественных свойств и особенностей акварельных красок легко соединяться с поверхностью бумаги.

Способ работы по сухой бумаге дает возможность регулировать в процессе письма тонально-цветовой растяжкой от плотных мазков до легких заливок, использовать наложение прозрачных красочных слоев один на другой, позволяя тем самым создавать в изображении иллюзию объема и глубину пространства.

Прием заливки по сухой поверхности бумаги

Это один из наиболее распространенных технических приемов. Особенность этого приема заключается в том, что работа ведется по сухой бумаге с учетом светового и цветового тонов посредством заливок плоскостей.

Практически этот прием осуществляется следующим образом. В начале работы натянутый на планшет лист слегка смачивается водой с помощью широкой кисти или губки. Это необходимо для того, чтобы краска ложилась равномерно и хорошо впитывалась в поверхность бумаги. Пока бумага подсыхает, на палитре подбирается необходимый красочный раствор. Набрав кистью раствор краски, начинают прокладку с верхней горизонтальной заливки. При этом мазок должен быть сочным. Для этого нужно набирать на кисть такое количество краски, чтобы после каждого проведенного мазка получался небольшой затек раствора. Постепенно наполняя кисть краской, проводят мазки таким образом, чтобы они соприкасались с нижним краем предыдущего мазка. В результате наплыва краски получаются плавные переходы от одного оттенка цвета к другому, мягко моделирующие форму предметов.

Используя прием заливки по сухой поверхности бумаги, можно свободно варьировать световыми и цветовыми градациями, писать как в один прием, так и по стадиям, рассчитанным на продолжительное время.

Прием лессировочного письма

На первоначальном этапе обучения в процессе освоения технических приемов работы акварельными красками широко используется прием многослойного письма нанесения красочных слоев – лессировок (лессировка от немецкого Lassieurung – наносить тонкий прозрачный слой краски). Сущность этого приема письма заключается в последовательном нанесении прозрачных слоев краски один на другой, с тем, чтобы получить разнообразные цветовые оттенки при лепке объемной формы, обогатить колорит, добиться единства живописного произведения и его гармонии.

Прием лессировочного письма часто применяется в учебном процессе при длительной многослойной работе над этюдом натюрморта с детальной проработкой формы изображаемых предметов. Учебные задания по натюрморту требуют внимательного изучения натуры. Они пишутся несколько сеансов (работа рассчитана на стадии), и тогда приходится постепенно и последовательно накладывать один слой на другой, чтобы добиться необходимых результатов. Используя прием лессировочного письма заливки плоскостей, можно делать как большой кистью, так и малой (мозаичное письмо) с последующим широким перекрытием. Причем лессировки можно наносить одна на другую лишь ограниченное число раз, иначе появятся глухие, загрязненные места. Следует также помнить, что необходимый цветовой оттенок достигается в акварельной живописи не только с помощью технических приемов, но и главным образом смешением красок на палитре. Во избежание замутнения цветового тона не следует вводить в смесь более двух-трех красок. Лучше добиваться нужного тона посредством умелого и расчетливого наложения одного цветового слоя на другой.

Работа по сырой бумаге

Как техническая разновидность акварельной живописи в конце XVIII века получил широкое распространение способ письма по влажной поверхности бумаги. В техническом отношении этот способ письма дал новое представление о возможности передачи непосредственного эмоционального восприятия натуры, получения различной фактурной обработки живописного красочного слоя, также возможность завершения этюда в один сеанс.

Работа по сырой бумаге по отношению к способам письма по сухой поверхности бумаги отличается оперативностью, сравнительной простотой техники и доступностью. Она основана на принципе вливания одного красочного слоя в другой. При достаточно умелом владении этой техникой создаются очень эффектные и живописные заливки цветовых тонов.

Прием заливки по сырой поверхности бумаги

Этот прием письма представляет собой переходную стадию от техники письма по сухой бумаге к работе «по-сырому». Он призван оказать помощь начинающему акварелисту в развитии цветовосприятия и широкого цельного видения. Особенность этого приема состоит в том, что живописные заливки делаются в один слой с учетом цветовых и тональных отношений. Это – широкое письмо, которое выполняется без стадий по увлажненной бумаге большой кистью и подготовленными растворами красок. Живописный процесс не разделяется, подобно многослойной живописи, на самостоятельные этапы, которые выполняются через определенные промежутки времени. Используя прием заливки по сырой поверхности бумаги этюд в целом и каждый предмет в отдельности доводится сразу до нужного живописно-пластического решения. Такой прием работы позволяет получить в изображении легкие, прозрачные цветовые оттенки с мягкими переходами.

Перед началом работы лицевая поверхность бумаги смачивается водой. Начинать писать «по-сырому» надо после того, как бумага равномерно пропитается влагой и на ее поверхности не будет излишка воды. Степень влажности бумаги и различный наклон планшета позволяют регулировать и ограничивать до необходимых пределов растекание краски, получать нужные цветовые сочетания, добиваться их чистоты и прозрачности. Также влажность бумаги смягчает границы между отдельными цветовыми тонами.

Работу лучше начинать сверху, предварительно определив основные отношения натурной постановки по тону и цвету. Пока наложенный цвет заливки не высох, рядом с ним накладывается другой, частично захватывающий соседний. Если надо внести какие-нибудь уточнения, то они вносятся еще в сырой красочный слой.

Прием письма а-ля прима

В процессе работы с использованием этого приема в акварели достигается хорошее колористическое решение. Особенность этого технического приема состоит в том, что этюд или эскиз выполняется по влажной бумаге в полную силу света и цвета, без предварительных прописок, без перерыва, по частям и в один сеанс. Прием а-ля прима незаменим в работе с натуры над небольшими этюдами кратковременного характера, который позволяет передать тонкость и мягкость цветовых отношений.

Для передачи в работе крупных цветовых планов и силуэтов художник вынужден складывать изображение по частям, сохраняя лишь в воображении образ законченного и целого этюда. Работа завершается, как правило, за один сеанс, без длительного перерыва. Прием а-ля прима требует точности рисунка, знания свойств красок, продуманности и системы в работе, а также умение вести этюд от начала до его завершения. Начинающим художникам, имеющим привычку переписывать, можно порекомендовать начинать работу с точно проработанного рисунка. Такой подход к ведению живописного процесса позволит начинающему акварелисту целостно видеть натуру и грамотно написать этюд.

Особенности этого приема обязывают также безошибочно полагаться на интуицию, непосредственные чувства от восприятия натуры. А эти качества художника развиваются в процессе учебной и творческой работы и приходят с опытом.

Ход работы.

1.Выполнение эскизов – поиск удачной композиции натюрморта
Практическая работа над учебным натюрмортом начинается с выполнения предварительных эскизов В них заключен поиск лучшего композиционного решения, тональных отношений.

Вот что высказывал о роли предварительных эскизов в живописи А. Матисс: «По состоянию вдохновенного творчества мы приходим только через сознательную работу».

Выбрав наиболее удачный из эскизов, можно приступить непосредственно к рисованию.

2. Композиционное размещение предметов на плоскости листа

Если вопросы композиции предварительно уже были решены в эскизах, то наиболее удачная найденная композиция может быть повторена и перенесена на выбранный формат листа. При этом определяют наибольшую ширину и высоту всей изображаемой постановки, а также приблизительную глубину, т. е. заход предметов одного за другой. Затем определяют большие пропорциональные соотношения между предметами, найдя каждому их место на плоскости стола и одновременно наметив их общую форму.

3. Определение основных пропорций и конструктивное построение с предварительным уточнением расположения предметов

Все построения ведут линиями без нажима, и предметы рисуют как бы прозрачными («сквозными»), уточняя их конструктивные особенности.

4. Нахождение отношений основных цветовых пятен
Нахождение отношений основных цветовых пятен с учетом общего тонового и цветового состояния освещенности очень важно. Например, следует найти цвет в горизонтальной поверхности фона и основного предмета, а затем уже и остальных предметов. При этом не покрывать всю поверхность цветом а лишь, пробовать для начала на отдельных небольших участках, граничащих между собой. Цвет стараться подбирать предельно близко к натуре. Замеченные недостатки тут же необходимо корректировать. Все пространство картинной плоскости заполняются постепенно.

5. Выявление объёмной формы предметов и полная цветовая проработка формы.
Для выявления объёмных форм предметов тоном необходимо определить самые светлые и самые тёмные места на предметах. Затем обозначить границы света и теней на формах предмета, найти положение собственных и падающих теней. Накладывая полутона, усиливать тон в теневых участках: собственные и падающее тени, а также их границы с учетом окраски предметов. Таким
образом, постепенно усиливая тона, переходить к детальной проработке форм.

Проработка деталей - наиболее ответственный этап в работе с натуры. Занимаясь подробной проработкой формы не надо забывать об общем тоне и каждый цвет, каждый мазок надо подчинять большой форме. Моделируя форму предметов, очень важно правильно работать тоновыми отношениями, начиная от самого светлого до самого темного. Самым светлым местом на предмете будет блик и его окружение, а самым темным - собственная и падающая тень.

6. Обобщающий этап работы над натюрмортом.
Выявление главного и второстепенного в цветовом строе; подчинение всех частей изображения целому. Установление целостности изображения, которое достигается, с одной стороны, обобщением как второстепенных деталей, так и предметов, находящихся на заднем плане, с другой - конкретизацией предметов первого плана. Если отдельные красочные пятна выпадают из цветового строя, «вырываются» вперед или «проваливаются» в глубину, то их слегка перекрывают недостающим по силе цветом. Усиление или ослабление общего цветового тона в акварельной живописи требует особой осторожности в прокладке завершающих красочных слоев.

Заключение

Натюрморт акварелью развивает у учащихся колористическое восприятие окружающего мира. Цветом можно выразить определенное настроение и передать его зрителю. Постепенно на уроках живописи идет совершенствование цветового и тонального ощущения. Важно научить ребенка грамотно передавать свое виденье постановки на бумаге.

Список литературы

Кулаков. М., 2010.

Пучков работы над натюрмортом. М., 1982.

Ревякин акварельной живописи. М., 1959.

Шитов изобразительного искусства. Живопись. М., 1995.

http://www. ulsu. ru/com/chairs/pas/Metod_ukaz/

Приложение

АВТОНОМНАЯ НЕКОММЕРЧЕСКАЯ ОРГАНИЗАЦИЯ

ДОПОЛНИТЕЛЬНОГО ПРОФЕССИОНАЛЬНОГО ОБРАЗОВАНИЯ

«НАУЧНО-ОБРАЗОВАТЕЛЬНЫЙ ЦЕНТР «КАРЬЕРА»

Контрольная работа №3

«Теория и методика преподавания ИЗО и ДПИ в ДШИ, ДХШ »

1 вопрос

« Методика работы над пейзажем в технике акварели »

Выпол н ил:

Кулишова Инна Александровна

П р о в е р и л :

Третьякова Ирина Леонидовна

Волгоград

Содержание.
1. Введение.
2. Основная часть.
3. Заключение.
4. Список использованных источников.

Введение.

Данная методическая разработка посвящена проблеме поиска точного
цветового решения в акварельных пейзажных этюдах. Раскрывает вопросы
применения основ цветоведения на практике и особенности цветового
решения пространственного пейзажа. Помогает преподавателю живописи
научить детей правильно писать акварелью пространственный пейзаж,
используя все средства и возможности акварели.

Язык цвета учащиеся познают на уроках живописи. Развиваясь умственно и эстетически, живопись учит внимательно наблюдать явления развивать пространственное мышление, учит точности расчета, способствует познанию
красоты природы, воспитывает патриотизм и любовь к своему отечеству.

В конце каждого учебного года учащиеся две недели учебного времени
посвящают пленэру, на котором закрепляют полученные на уроках живописи
теоретические знания и практические навыки. На пленэре возникает ряд
проблем, связанных с тем, что дети, не имея достаточного художественного
опыта, допускают ошибки в работе над акварельными пейзажными этюдами.

Цветовое решение работы иногда носит стихийный характер. Если детей не
учить изобразительной грамоте на основе глубоких знаний, то становясь
старше, сознательнее, они начинают понимать, что их живопись не соответствует действительности. У них наступает разочарование, неверие в свои силы и многие дети совсем перестают рисовать. Поэтому преподавателю живописи очень важно, начиная уже с первых уроков развивать пространственное цветовосприятие учеников, прививая им все новые и новые навыки живописи, на основе изучения законов реалистического изображения, в доступной, интересной, игровой форме. Из всего этого ясно, что учитель сам, прежде всего, должен хорошо разбираться в вопросах световоздушной перспективы, цветоведения, акварельных техник. Только грамотно объясняя значение хроматических и ахроматических, теплых и холодных, основных и дополнительных цветов и оттенков, цветового тона, влияние света на цвет, учитель сможет научить детей рисовать пейзаж.

Тема моей методической разработки является актуальной на сегодняшний
день, её решение благодатная почва для введения новых методик в учебный процесс.

Цель: разработка и реализация системы методов и приёмов обучения учащихся использованию точных характеристик цвета для решения пространственных задач в акварельных этюдах на уроках живописи. Объектом методической разработки является процесс обучения школьников правильному ведению акварельной работы над пейзажем на уроках живописи.
Предметом методической разработки являются методы и приёмы организации и проведения работы по обучению на уроках истории искусств и живописи в школе искусств.

Задачи:
1. Дать психолого-педагогическое обоснование организации и использованию методов и приёмов обучения основам работы над пейзажными этюдами учащихся.
2. Охарактеризовать и раскрыть сущность и особенности организации
методики обучения работы над пейзажными этюдами на уроках живописи.
3. Определить направление деятельности преподавателя художественного
отделения по использованию методов и приёмов обучения основам работы
над пейзажными этюдами и применение его в образовательном процессе.
4. Разработать систему методов и приёмов реализации обучения основам
работы над этюдами пейзажа.

ОСНОВНАЯ ЧАСТЬ.

Для наиболее полного изучения темы: «Цвет и пространство в акварельном
пейзаже», необходимо подготовить несколько уроков по разным дисциплинам. На уроке сообщения новых знаний, по предмету «история искусств», преподаватель расскажет о методах работы с акварелью на
примере мастеров прошлого, что поможет расширить горизонт знаний
учащихся на данную тему.

1.Особенности акварельных техник в написании пейзажа. (История искусств)

Способы акварельной живописи.
Многослойная акварельная живопись - это живопись с предварительным
общим или моделирующим тоном, в некоторых случаях называемым подмалевком, поверх которого художник постепенно накладывает
прозрачные слои краски, достигая определенной световой силы. В такой
традиционной для русского искусства ХVIII-XIX веков манере работали и
мастера Италии, Франции, Германии, Испании, Англии, а в последствии и советские художники.

Способ М. А. Врубеля. Этим способом пользовались многие мастера конца ХIX века. Это - П. П.Чистяков, И. Е. Репин, В. И.Суриков и многие другие. Но свое наиболее полное и последовательное воплощение он нашел в работах М. А. Врубеля.
Как правило, это акварели небольшого формата, по словам самого М. А.
Врубеля, размер "с почтовую открытку", а также 20х30 см, 30х40 см и очень
редко большого размера. Некоторые работы П. П. Чистякова и И.Е. Репина
имеют приблизительный размер современного листа ватмана. Попробуем
теперь на основе воспоминаний, исследований, писем М. А. Врубеля и,
конечно, самих акварелей представить возможную последовательность
работы этим способом:
1. Твердым карандашом на хорошо проклеенной бумаге средней или мелкой
зернистости в зависимости от размеров работы необходимо выполнить
подробный, строгий рисунок с изображением внешних и внутренних
контуров объектов, а также бликов, полутонов, теней как собственных, так и
падающих, границ цветовых пятен, складок тканей, орнаментов и т.д.
Примером может служить незавершенный портрет Н. И. Забелы-Врубель
1904 года, на котором М. А. Врубель успел сделать несколько мазков на
прическе и головном уборе, предоставив таким неожиданным образом возможность увидеть практически целиком этот удивительный подготовительный рисунок.
2. Изображаемые объекты прокрыть общим локальным цветовым тоном в
1/3,½, цветовой силы, светлоты. Оставить непокрытыми блики и другие
светлые места. Подчеркнуть разницу в цвете между предметами или их
частями.
3. По высохшему предварительному слою нанести отдельные цветовые
плоскости изображаемого объекта в полную силу, создавая некую цветовую
мозаику, переходя от более крупных заливок к мелким. Там, где цветового
тона недостаточно, покрыть последующие цветовые слои по просохшим
предыдущим. И так до завершения работы, которая должна представлять собой объект, состоящий как бы из граней, площадок, по-разному расположенных в пространстве.
4. На данном этапе возможны некоторые размывки кистью, смягчающие
резкие края некоторых заливок. Размывки могут обобщить отдельные
участки работы, а также ослабить цветовой перегруз в случае ошибки. После
высыхания данного участка на него можно нанести нужный цветовой тон.
Иногда используются в качестве приема мелкие точки и штрихи, чтобы
довести до нужного тона небольшие цветовые участки. Таким образом,
заполняются и мелкие промежутки между отдельными заливками.

Образцами такой последовательности работы акварелью являются ранние
работы Врубеля М. А.

К сказанному следует добавить, что этот способ
можно дополнить еще одним приемом в начале работы после выполнения
рисунка. На лист бумаги нужно нанести слабый цветовой тон акварели,
соответствующий общему тону изображаемой постановки, что придает
работе особый цветовой настрой и обобщает ее.

Способ П. Сезанна.

Название способа указывает на его происхождение. Известно что, Поль
Сезанн, помимо масленой живописи, охотно и очень успешно писал акварельными красками. Сохранились очень интересные акварели
художника. Одни написаны двумя цветами: сине-пепельными и охрой
красной. В других он немного расширяет свою палитру до трех цветов -
зеленого, охры, красной и желтой, оставляя как основу сине-пепельный цвет.
В своих работах Сезанн опирался на один из трех принципов Поля Синьяка,
который заключался в том, чтобы никогда не накладывать одну краску на
другую, так как любой положенный поверх другого тон выцветает. Но в
последние годы П. Сезанн, продолжая страстно увлекаться акварелью, писал
совершенно по-другому. Он перекрывал один цвет другим, затем третьим и
так далее, используя при этом основные цвета - синий, красный, зеленый и
желтый, примешивая к ним в небольшом количестве черный цвет, с
помощью которого делал незначительные штриховые акценты поверх
мазков. Самое главное, что П.Сезанн не смешивал основные цвета между
собой, а использовал как бы принцип наложения друг на друга цветовых
стекол. Вот что писал об этом Эмиль Бернар в 1904 году: "Он начел с легкой
тени, наносил пятно, покрывал его другим, пока все эти цветовые градации, перекрывая друг друга, не вылепливали цветом форму предметов".

Художник работал над всей композицией, касаясь
то первого, то второго плана, то неба, а когда возвращался к тому или иному участку, новое положение краски не смывало предыдущий слой.
Прозрачность акварели сохранялась. Трудно сейчас сказать с уверенностью,
кто наряду с П. Сезанном мог использовать этот способ, так как многие его
современники работали, стараясь не перекрывать один чистый цвет другим.
Так или иначе, описанный способ просматривается в работах художников
конца XX века.
Последовательность работы этим способом следующая.

Поль Сезанн

1. На лист бумаги нанести свободный рисунок графитным карандашом
средней мягкости без использования ластика. Ошибочные линии, если они не
столь интенсивны, можно оставить на бумаге, они дополнят будущий
цветовой слой некоторой игрой линий.
2. Нанести цвет, начиная с синего, на тех участках, где он может
присутствовать в той или иной степени. Мазки следует делать небольшие, по
форме предмета, прозрачные, легкие. Затем нужно нанести остальные цвета
один за другим в любой последовательности, например красный, зеленый,
желтый. Важно, что переход от более светлых тонов к более темным был
постепенным. К чистым цветам в небольшом количестве можно добавить
черный цвет. Перекрывание одного цветового пятна другим может быть
неполным, т. е. чтобы предыдущий цвет кое-где просматривался в чистом
виде. В этом приеме заключается особая цветовая прелесть способа.
3. На данном этапе нужно сделать цветовые акценты с использованием
черного цвета, подчеркивающие форму изображаемого предмета или
объекта. В работе этим способом можно использовать вместо чистых ярких
цветов земельные цвета, например охру светлую, охру красную, а к ним
добавить окись хрома, голубую ФЦ и черную. Интересная работа может
получится, если карандашный рисунок сделать каким - ни будь цветным
карандашом, например синим, зеленым или любым другим; важно, чтобы он
был хорошо заметен на бумаге.
Классический способ
Классический способ, который в некоторых искусствоведческих работах
называют "нарочитым", не свойственным акварельной живописи, активно
применялся акварелистами ХIХ века в портретной живописи при
моделировке лица, при изображении тканей, интерьеров, на отдельных
участках фона и иногда в пейзаже.

А.П.Брюлов

В настоящее время этот способ никто практически не применяет, очевидно, из-за его трудоемкости. В начале ХIХ века способ широко применяли такие мастера, как П. Ф. Соколов, К. П.Брюллов, В. И. Гау, и многие известные и неизвестные художники. Данным способом в основном выполнялись миниатюрные акварельные портреты, но есть также и сюжетные сцены, и интерьеры.

Последовательность работы можно представить таким образом.

1.На лист акварельной хорошо проклеенной бумаги с небольшой зернистостью нанесли строгий неяркий рисунок твердым карандашом достаточно подробно.
2. На изображаемый предмет или объект нанести общий цветовой фон,
соответствующий светлым участкам, за исключением бликов и светлых
пятен, где бумага должна оставаться пока не тронутой цветом.
3. После высыхания первого слоя нанести последовательно друг на друга
следующие слои-заливки, начиная со светлых полутонов и заканчивая
самыми темными участками, собственными и падающими тенями. Края
отдельных слоев - заливок не должны быть размыты. Каждый последующий
слой нужно наносить на хорошо просушенный предыдущий. Таким образом,
изображение доводится до неполной степени законченности, когда можно
еще нанести примерно 1-2 слоя.
4. Острым кончиком тонкой кисти (возможно, это современные №1, 2) на
поверхность просохшего изображения или какой то его части нанести
штриховой слой акварели, аналогичный карандашному или первому рисунку.
Этот слой смягчает резкие края отдельных заливок, моделирует форму,
доводит изображение до законченного состояния по светлоте и цветовой
насыщенности и создает ощущение материальности изображаемого.
Наносимый штриховой слой, в котором штрихи могут пересекаться,
накладывая друг на друга, может быть как одного цвета (обобщающего), так
и разных цветов, в зависимости от состоящих перед художником задач.
Достоинство такого приема заключалось в его особой пластической
выразительности, что позволяло "не замылить" форму и не сделать ее грубой.
Это требовало большого мастерства.

Способ А. В. Фонвизина

А. В. Фонвизин

Рассматриваемый способ акварельной живописи назван по имени
замечательного художника Артура Владимировича Фонвизина, работавшего
в удивительной, неповторимой манере.

И хотя существует мнение, что Фонвизин традиционен в своих работах, его, скорее всего можно отнести к тому обстоятельству, что художник не пользовался белилами, не примешивал к акварели гуашь, т. е. был традиционен в чистой акварели. В остальном его работы носят глубоко индивидуальный характер.

Можно было бы именно по этой причине не рассматривать его способ акварельной живописи, если бы не множество последователей, а точнее подражателей среди последующих поколений художников, особенно современных молодых акварелистов. Некоторые художники и искусствоведы считают, что Фонвизин исполнял свои акварели по влажной поверхности бумаги. Это неверно. Художник не работает на предварительно смоченной бумаге, когда
он целиком зависит от капризов растекающейся по мокрой бумаге краски.

Сохранились воспоминания современников художника, его моделей, наблюдавших за работой мастера. Можно внимательно посмотреть, и не один
раз, на его работы в Третьяковской галерее и на различных выставках. А. В.
Фонвизин писал на ватманских листах ГОЗНАК ручной работы с небольшой
зернистостью, прикрепляя бумагу к планшету кнопками, след от которых таки остался на работах. Похоже, автор не делал подготовительного рисунка
карандашом, а начинал рисовать тоненьким кончиком кисти, намечая только незначительные контуры изображаемого, о чем свидетельствуют незаконченные работы. В прочем, эта незаконченность скорее производит впечатление особой лаконичности, присущей его работам. Затем, набрав крупной кистью большое количество воды с краской, он мягко втирал ее в
поверхность бумаги, добавляя другие цвета для получения необходимого
сложного тона, т. е. получалась своеобразная палитра на самой работе.

С большим мастерством художник управлял широкими цветовыми потеками с
помощью кисти, чередуя темные и светлые участки, оставляя порой почти
нетронутой бумаг. Кое-где художник вносил цветовые акценты на высохшей поверхности предыдущего слоя, порой совсем незначительные,
почти точки, чтобы подчеркнуть форму или цветовое пятно. В портретах
чаще всего акцентируются глаза и губы. В некоторых работах видно, как
художник, взяв активный цвет, который на первый взгляд выбивается из
общего тона листа, наносил на его поверхность широкий мазок трепетным
движением кисти. В поздних работах А. В. Фонвизин слегка размывал
некоторые цветовые участки, сочетая их с четкими заливками, а также
накладывал несколько слоев цвета друг на друга. Однако его работы не производят впечатления многослойной акварели, они сохраняют удивительную свежесть, прозрачность и светоносность.

А.А.Иванова

Вспомним пейзажные работы М. Н. Воробьева и особенно большую группу акварелей А. А.Иванова, в которых он прокладывает по сути дела одни голубые холодные тени, решая таким образом задачу передачи пространства и воздушной
перспективы. Подобные работы можно встретить у П. Сезанна, который
спустя шесть десятилетий так сформулировал свою позицию в письме к Э.
Бернару от 15 апреля 1904 года: "…природа для нас, людей, - это скорее
глубина, чем плоскость: отсюда необходимость ввести в наши световые
ощущения, передаваемые красными и желтыми цветами, достаточное
количество голубого для того, чтобы чувствовался воздух".

По-видимому, те же задачи ставил перед собой К. П. Брюллов еще в начале ХIX века, добиваясь передачи воздушной среды и пространства в сюжетной и
портретной акварельной живописи и приходя к еще более цельному
цветовому решению.

Из сказанного можно заключить, что этот способ и остался на работах. Похоже, автор не делал подготовительного рисунка карандашом, а начинал рисовать тоненьким кончиком кисти, намечая только необходимые детали этот способ легко применим в пейзаже. Попробуем представить последовательность работы данным способом.

1. На лист хорошо проклеенной бумаги с фактурой средней или мелкой
зернистости нанести строгий, подробный рисунок твердым карандашом
таким образом, чтобы на бумаге было четкое изображение. Однако не
должно быть углублений, которые может оставить твердый карандаш и
которые будут видны сквозь слой акварели.
2. С помощью синей (в нашем случае это голубая ФЦ) и черной красок
выполнить подмалевок в технике «гризайли», доведя работу до некоторой
незавершенности. Красочные слои накладывать друг на друга по высохшей
поверхности последовательно от светлых к темным.
3. Используя охру светлую и охру красную (можно также сиену жженую и
английскую красную), довести работу до законченного состояния. При этом
желтая краска, перекрывая синюю, дает зеленоватые оттенки, красная -
фиолетовые, желтая и красная - оранжевые, а вместе все дают коричневые
оттенки. На участках, где нет синего цвета, желтый и красный "звучат" в
полную силу. При этом в незначительном количестве можно подмешивать
черную краску.
4. На данном этапе в работу можно внести цветовые и тональные акценты (с небольшим количеством черного цвета), а также незначительные исправления в виде легких размывок. Впрочем, лучше к этому в данном
случае не прибегать.

Способ по сухому

В современной акварельной живописи этот способ практически не встречается.
Работа по сухой поверхности бумаги.
При этом способе поверхность бумаги не смачивается перед началом работы
цветом, как при первом способе. Живопись ведется отдельными участками
или, как говорят художники, "от куска". Участки приписываются друг к
другу. Бумага для работы может иметь как ярко выраженную зернистую
структуру, так и не очень заметную. Хорошо подходят листы не сильно
проклеенные. Художники-акварелисты называют эту бумагу "мягкой". Такой
способ акварельной живописи очень хорошо подходит для учебных краткосрочных заданий. Они используется также многими профессиональными художниками для решения творческих задач.

Прекрасным примером применения этого способа живописи являются
работы замечательного мастера акварели А.П. Остроумовой-Лебедевой,
которые можно видеть в собрании Государственной Третьяковской галереи и
в различных учебниках по акварельной живописи.

А.П. Остроумовой-Лебедевой

Последовательность работы по сухой поверхности бумаги такова: На лист бумаги нанести более подробный рисунок. Если работа не с натуры на природе, желательно сделать рисунок с предварительно выполненного эскиза, чтобы не испортить ластиком поверхность бумаги, исправляя ошибки. Затем лист прикрепить к планшету. Акварельную краску взять кистью большого размера в полную цветовую силу с некоторым запасом на пожухание, с активным набором
воды и нанести на поверхность бумаги, заполняя цветом определенный
"кусок" и добавляя, где это необходимо, дополнительные цветовые оттенки.

К законченному "куску" приписать следующий и так далее до полного заполнения листа. Размеры "кусков" могут быть различными, они
определяются характером изображаемого. Не совсем просохшие края
отдельных соседних "кусков" в некоторых местах могут слегка перетекать
друг в друга, образуя цветовые переливы, не требующие исправления и
придающие работе своеобразную цветовую выразительность. После того как
прописана практически вся поверхность листа, нанести дополнительные
цветовые акценты, а также незначительные смягчающие размывки, которые
не должны испортить свежесть работы. Кроме того, нужно заполнить цветом
мелкие участки бумаги, остающиеся, как правило, между отдельными
"кусками" в процессе работы. Впрочем, некоторые художники сознательно оставляют участки чистой бумаги, используя это как своеобразный
живописный прием. Планшет с листом бумаги в процессе работы можно
наклонять под разными углами в разные стороны, направляя в нужном
направлении текущий красочный слой.

Акварельно-графический способ

Этот способ сочетает в себе графические и акварельные приемы. Он берет
начало от подкрашенных гравюр и рисунка ХVIII - ХIХ века. Но если в них
преобладающим было графическое начало, то в рассматриваемом способе
рисунок и акварель выступают как бы равных, дополняя друг друга, когда
штрих карандаша играет столь же важную роль, что и цвет, когда
графическое и живописное начала оказываются слиты. Это очень хорошо
просматривается в акварелях П. Синьяка начала 30-х годов ХХ века, в
которых он, активно используя основные цвета - желтый, красный, синий и
зеленый, добавляя немного черный, следует одному из трех своих принципов:"…первоначальный карандашный набросок не должен исчезнуть
под пятнами акварели, напротив, он должен быть отчетливо виден, чтобы
"создать игру линий в пустотах, разграничивающих те пространства, которые
надлежит расцветить". В начале ХХ века, сочетая акварель с графическими
приемами, работали А.П. Остроумова - Лебедева, акварели которой носили более строгий цветовой характер, и позднее Д. И. Митрохин.

Его работы отличаются выразительным линейным рисунком, поддержанным
штриховкой в тенях и по форме предметов, и энергичным использованием
акварели и даже в ряде случаев цветного карандаша. Акварельно - графический способ может быть успешно применен как в иллюстративных, так и в станковых работах, пейзаже, натюрморте и даже портрете. Можно пользоваться им в тех случаях, когда за сравнительно небольшое время нужно было сделать максимально выразительный этюд, чтобы зафиксировать увиденное, который затем использовался в последующей работе.

Последовательность работы акварельно-графическим способом.

1. На лист бумаги, фактура которой может иметь различный характер (в
зависимости от желания исполнителя), нанести свободный интенсивный
рисунок мягким графитным или черным карандашом. Можно использовать
черный карандаш из набора обычных цветных карандашей или стержень"негро". Формы предметов можно моделировать штрихами. Там, где
необходимо, штрихами может быть заполнен и фон. При этом пользоваться
ластиком не обязательно, предварительные легкие линии придают работе
некоторую живость.
2. Используя текучесть акварели, на законченный рисунок нанести в полную
силу цвета красящий слой, где один цвет может плавно переходить в другой.
3. На данном этапе можно усилить тени, вводя в работу дополнительные
цветовые пятна, наносимые на просохший основной слой.
К сказанному следует добавить, что для рисунка могут быть использованы
угольный карандаш и акварельный, который слегка размываясь наносимым
слоем каски, придает работе некоторую мягкость. Можно также применять и
различные цветовые карандаши, подчеркивающие фактуру.

1.Необходимо показать презентацию о разных способах письма акварельными
красками. Затем, для закрепления материала, можно предложить учащимся
самостоятельно определить по манере письма, какой метод использовали
художники при работе над предложенным произведением.
Экскурсия в картинную галерею, для того, чтобы рассмотреть подлинные
работы акварелистов - мастеров прошлого, или, если такая возможность
отсутствует, на выставку современных художников, поможет ученикам наиболее полно прочувствовать данную тему. Подобные экскурсии вдохновят на создание небольших самостоятельных произведений – эскизов пейзажей по мотивам просмотра, с использованием одной из изученных выше техник.
2.Следующим после истории искусств с теоретическим изучением акварельных техник, идет урок живописи.

На этом этапе ученики должны получить знания о световоздушной перспективе и о законах цветоведения. Перспектива (лат смотреть сквозь) - техника изображения пространственных объектов на плоскости в соответствии с теми кажущимися сокращениями их размеров, изменениями очертаний формы и светотеневых отношений, которые наблюдаются в натуре. Что же такое световоздушная перспектива? Чтобы создать в рисунке иллюзию глубины, необходимо помнить, что существуют законы световоздушной перспективы, которые предусматривают изменение в цвете, тоне, а также четкости очертаний
предметов, удаленных на какое-то расстояние от рисующего. Предметы,
расположенные к нам ближе, кажутся более отчетливыми, мы различаем
больше подробностей на их поверхности, но по мере удаления от нас
контрастность в тоне постепенно смягчается, цвета изменяют свою окраску,
контур предметов становится нечетким. На основе наших наблюдений в
природе можно видеть, что удаленные на значительное расстояние предметы
кажутся окутанными дымкой.

Мы видим одни предметы светлыми, другие - темными. От ближних
предметов света в наш глаз попадает больше, чем от дальних, поэтому
ближние к нам предметы кажутся четкими и яркими, дальние - размытыми,
неясными и блеклыми. Воздух не всегда бывает прозрачным, чаще в нем
растворены мелкие частицы химических веществ, он насыщен парами,
пылью и т. д. Так или иначе это мешает четко определить контуры предмета.
Поэтому, когда мы смотрим на уже законченный рисунок, предметы с четко
очерченным контуром, мы воспринимаем как предметы близко стоящие, а с
расплывчатым - как отдаленные. Изменение освещенности и погоды также
влияет на контрастность светотеней и видимость. В зависимости от
расстояния меркнут и цвета предметов, приобретая синеватые оттенки,
смягчается цветовое различие поверхностей формы, на горизонте цвета
сближаются и превращаются в единый голубовато-синий цвет.
Контрасты светотени, резкие на первом плане, постепенно сливаются в
единый тон, предметы теряют объемность, приобретая силуэтный характер,
пропадает фактура материала. Начинающие рисовать должны усвоить эти
законы. Для передачи пространства в рисунке лучше пользоваться тремя
планами и каждый план разрабатывать отдельно по мере удаления от
зрителя.
Теплые и холодные цвета обладают еще одним важным свойством. Теплые
цвета, находясь в окружении холодных, кажутся нам как бы выступающими
вперед. Например, красный предмет, поставленный в ряду синих предметов,
воспринимается активнее последних. Холодные цвета, напротив, создают впечатление удаляющихся предметов. Это свойство красок следует
учитывать в работе над живописью учебных постановок или пейзажей.
Контрастные свойства теплых и холодных цветов используются при передаче
пространственных отношений в живописи – светотени, световоздушной
перспективы, состояния дня и т.д.

Основы цветоведения.(предмет живопись)
Важным моментом в живописи является изучение цвета в пространстве.

Основы цветоведения для начинающих художников - вот что нам нужно.
1. Считается, что основных цветов три, и все остальные цвета можно
получить путем смешения основных при различном пропорциональном их соотношении.
2. Спектральный круг. Проще считать, что основных цветов спектра
двенадцать. Все остальные цвета получаются путем смешения основных.
Спектральные цвета называются хроматическими.
3.Серый, белый и черный называются ахроматическими:

4.Взаимодополнительными цветами являются противоположно расположенные цвета в спектре. Они друг друга дополняют, то есть, когда взаимодополнительные цвета расположены рядом, то они усиливают друг друга, "зажигают". Например, у нас есть вот такой: невзрачный тусклый фиолетовый цвет.
Сам по себе он не несет особой красоты и мало что из себя нам может
рассказать. Но если к нему добавить дополнительный цвет, то он
заиграет и заискрится.

Смотрите: наш фиолетовый заискрился, и это тот- же самый цвет, который мы
взяли в начале. При смешении таких цветов всегда получается серый.
Основы цветоведения - основные характеристики цвета:

1.Название цвета, это так называемый цветовой тон.
2.Светлота, это тон.
3.Насыщенность, то есть напряжение, чистота, какова насыщенность цвета, насколько он чист.
4.Теплохолодность.
Эти все понятия разные и исключительно в каждом цвете они присутствуют.
Например:
Посмотрите вокруг себя, найдите любой предмет. Он будет какого- то
определенного цвета, допустим, того же желтого. Давайте подумаем-
цветовой тон будет желтый, а по светлоте может оказаться разным, то ли
желтый светлый, то ли желтый темный. Вот теперь нужно определить его
насыщенность - сколько именно желтого присутствует в данном цвете?
Много желтого - сильное напряжение желтый с примесями - слабое
напряжение, низкая чистота. И последнее - теплохолодности. Наш желтый
цвет может быть как с прохладной ноткой, так и с теплой. Проще будет это
понять, когда сравнить несколько разных предметов одного цветового тона, в
данном случае- желтого. Найдите несколько желтых предметов и сравните их
пониже перечисленным характеристикам. Вам все станет ясно.
Если вы еще не переключились в то русло, по которому я вас веду-
предлагаю одно развлечение:

Цвет- это выражение качества энергии, какую несет среда. Иными словами,
любой предмет несет в себе энергию определенного качества, в нашем
случае - цвет. Как вы, наверно, знаете, каждый цвет по-разному нами
воспринимается. Желтый цвет повышает внимание, где-то раздражает. Синий спокойный цвет, пассивный. Красный повышает чувствительность, внимание. Фиолетовый- настолько влияет на наше внутреннее Я, что может даже угнетать. Так мы чувствуем цвета.

Цветовая гамма:

Все цвета, участвующие в композиции, должны быть подчинены какому-
то одному цвету, который всегда зависит от:
1. Цвета света (то ли сейчас утро, то ли вечер, ясный день или дождливый,
а может у вас на окне висят оранжевые шторы, которые будут пропускать
в комнату неповторимый теплый свет)
2. От цветов, участвующих в композиции.
3. От площади пятен, участвующих в композиции.
Допустим, самое большое пятно вашей композиции будет зеленым- то
этот цвет будет внесен в гамму. И именно гамма определяет цельность
композиции.
В каждом мазке должно присутствовать три цвета- локальный цвет (цвет
предмета), цвет гаммы (в какой гамме, допустим, ваш пейзаж) и цвет
света (он может быть как холодный так и теплый).
Изменение цвета по форме предмета или по удаленности:
По названию, цветовому тону цвет не меняется. Интересный процесс
происходит со светлотой. Светлый цвет, удаляясь темнеет: темный – светлеет:
По насыщенности цвет удаляясь, гаснет, слабеет:

По теплохолодности: холодные цвета, удаляясь, будут теплеть
теплые – холоднеть.
На свету цвет светлее, в тени слабее и распределяется по полутонам:
По теплохолодности если вы свет выбрали теплый,
то тени будут холодными. Если свет холодный, то тени будут теплыми.
Теплый свет удаляясь будет холоднеть, холодный - теплеть. Теплая тень
удаляясь будет холоднеть, холодная теплеть. Цвет в тени по насыщенности зажигается.
А теперь самое сложное:
1.Самый темный полутон на свету светлее самого светлого полутона в тени.
2. Самый бесцветный полутон на свету цветнее самого цветного полутона в тени.
3. Самый теплый полутон на холодном свету холоднее самого холодного
полутона в тени.
Все сложно и запутано? Так кажется с первого раза. Такие мысли развеются, когда вы начнете рисовать.

Цветоведение дает готовые законы, которые художники нарабатывают годами в процессе учебы. Вам нужно все это просто выучить, принять и воплотить на практике руководствуясь девизом: Не вижу, а знаю! И делаю так, как знаю!

А укрепить знания, руководствуясь девизом, вы сможете, выполняя несколько упражнений по теме «цветоведения».Дело в том, что во время живописи, особенно, когда вы пишете акварелью, порой трудно быстро сориентироваться, какой- же мазок сейчас положить. Конечно, в этом нам помогают цветовые поиски, эскизы, которые мы делаем перед началом работы. Но увереннее чувствовать себя в процессе работы помогут следующие упражнения:

Для этого нам понадобится акварель, о которой говорилось в начале этой
страницы. Используйте какой-либо цвет. Цветовые растяжки можно делать самые разнообразные.
"Растягивать"цвета от теплого к холодному, от светлого к темному и от
одного цвета к другому. Можно делать растяжки по принципу тех правил, о
которых вы здесь узнали. Потренируйтесь. Вы можете много нового узнать
о цвете, о том, как он себя ведет рядом с другими или при смешении.

На уроке живописи, после короткого обзора цветоведения и презентации на
данную тему, учащимся предлагается выполнить ряд упражнений заливок,
для дальнейшей подготовки к работе в условиях улицы. Заливки необходимо
сделать на изменение цвета в зависимости от освещения, по предложенному
сценарию. Например, свет – холодный, как изменится длинный плоский
предмет, окрашенный в красный цвет, по мере удаления от зрителя. Или,
задание на самостоятельный подбор сочетаний цветов, из которых можно
«сделать» зеленый цвет. Следующее задание: как изменится этот зеленый по
мере удаления от зрителя при теплом освещении. Растяжки делать в четыре –
пять градаций. По окончании работы, предложить учащимся самим оценить
работу, выставляя баллы по пунктам: чистота цвета, изменение тона,
соблюдение теплохолодности, чистота исполнения, композиция в листе.
Данный урок является уроком выполнения комплексных заданий.

В процессе работы над темами учащиеся должны усвоить следующие
вопросы:
1. Какие методы работы акварелью существуют?
2. Какой метод наиболее подходит для самого учащегося?
3. Как работать с цветом акварелью?
4. Как меняется цвет в зависимости от освещения?
5. Как меняется цвет в зависимости от удаленности?
6. Как меняется цвет в зависимости от световоздушной перспективы?
После подготовительных уроков, учащиеся приобретут новые знания,
навыки работы с акварельными красками, изучат разные методы работы с
цветом и новыми технологиями.
И только затем можно приступать непосредственно к работе на улице.

И еще несколько советов преподавателям, обучающим детей младшего школьного возраста. С детьми такого возраста лучше начинать работать в технике рисование по сырой бумаге. Пусть дети попробуют краску на текучесть и расплывчатость.

Техника «по-сырому» или «по-мокрому» («английская» акварель)

Суть этого приема заключается в том, что краска наносится на предварительно смоченный водой лист. Рабочий лист рекомендуется располагать не горизонтально и не вертикально, а под небольшим углом. Краски наносятся легкими единичными касаниями, на мокрой основе они обязательно потекут в направлении, заданном художником. Направить движение краски можно с помощью сухой кисти, ей же можно ослабить цвет. А вот какой узор «подтека» получится - неизвестно. Этот элемент неожиданности придает технике непредсказуемость и некоторую пикантность Степень его влажности зависит от творческого замысла художника, но обычно начинают работать после того, как вода на бумаге перестает «блестеть» на свету. При достаточном опыте можно контролировать влажность листа рукой. В зависимости от того, насколько наполнен водой волосяной пучок кисти, принято условно различать такие способы работы, как «мокрым-по-мокрому» и «сухим-по-мокрому».

Техника многослойной акварельной живописи (Лессировка)

Лессировкой называется способ нанесения акварели прозрачными мазками (как правило, более темные поверх более светлых), один слой поверх другого, при этом нижний всякий раз должен быть сухим. Таким образом, краска в разных слоях не смешивается, а работает на просвет, и цвет каждого фрагмента складывается из цветов в его слоях. При работе в этой технике можно увидеть границы мазков. Но, так как те прозрачны, это не портит живопись, а придает ей своеобразную фактуру. Мазки выполняются аккуратно, чтобы не повредить и не размыть уже высохшие живописные участки.

Техника акварели «Резерваж» (Белые и светлые участки)

«Резерважем» в акварели называется не записанная белая или самая светлая часть листа.
Белый цвет передается за счет цвета бумаги. Другими словами - художнику все время нужно помнить о тех участках, которые он должен оставить белыми и «обходить» их цветом, оставляя нетронутыми. «Обходка» – самый сложный и самый «чистый» прием резервирования.
Можно решить задачу техники «Резерваж» несколькими способами:
-с помощью скотча
-парафина
-восковых карандашей
-используют обработку уже высохшего, красочного слоя различными «механическими» способами (выскребание, удаление красочного слоя с помощью лезвия бритвы и пр.)
-высветление необходимых мест с помощью отжатой кисти, или например салфетки по непросохшему или высохшему слою.

Техника A LaPrima

А-ля прима* (итал. Allaprima; произн. – «аля прима») – то же, что и живопись по сырому.
Это живопись по-сырому, написанная быстро, в один сеанс, при которой создаются неповторимые эффекты разводов, переливов и перетекание краски.

Работа по сырому листу в начальной стадии с последующей доработкой «по сухому»

В данном случае художник делает основу работы по сырому листу, а работу над деталями продолжает, когда лист уже высох. Такая технология позволяет комбинировать нежные переходы живописи «по сырому» с написанными поверх них акцентами на мелких деталях.

Техника «по-сухому» (итальянская школа)

Заключается в том, что краска наносится на сухой лист бумаги одним-двумя (однослойная акварель) или несколькими (лессировка) слоями, в зависимости от идеи художника. Этот способ позволяет обеспечивать хороший контроль над растекаемостью краски, тональностью и формой мазков.

Техника с использованием соли

Соль (как крупная, так и мелкая), рассыпанная по сырой акварели неравномерно разъедает краску и создает на пятне особую фактуру. Этот прием эффективен по первому слою краски. Когда работа высохнет соль можно удалить сухой тряпкой или даже рукой. Подобный эффект может дать и набрызганная вода.

Техника Отмывки

Отмывка- это метод выявления формы объекта путем послойного наложения красок в градации от блика до падающей тени. Фактически это способ тональной проработки объекта. Проще говоря, мы тоном показываем области блика, света, полусвета, полутени, тени. Отмывка является, пожалуй, самым простым, хотя и длительным процессом в акварельной технике.

При технике рисования «мокрым по мокрому» - соединение жидкой краски с влажным листом создает расплывчатые контуры, что только лучше для полета фантазии ребенка - он в течение всего занятия продолжает творить образы. Когда добавляет новую краску к уже начатому рисунку, в его фантазии часто возникает новая смысловая связь, которую он потом развивает в последующем рисовании.

На мокром листе отдельные краски смешиваются и перетекают друг в друга во многих местах, и возникают промежуточные цвета - зеленый, оранжевый, коричневый, фиолетовый. Выполняя работу используя соль, получаются удивительны пейзажи. Об этом мы говорили выше. Наблюдая за этими метаморфозами – радуются, и удивляются: они - творцы, они - первооткрыватели! Так же как и в случае с игрой цвета на бумаге, ребенок с интересом будет наблюдать за постоянно меняющимся цветом воды в стаканчике, котором промываются кисти. Когда весь лист уже занят рисунком, и краски светятся и блестят благодаря присутствию в них элемента воды, у ребенка наступает пик «художественного» удовлетворения! Потом, когда картина уже убрана для просушки, она уже не представляет для ребенка такого интереса.

Необходимо также заметить, что не существует техники самой по себе. Техника находится в подчинении той цели, которую ставит себе художник. Именно поэтому акварель так же многообразна и индивидуальна, как многообразны и индивидуальны почерки людей.

Сказанное касается любого вида искусства, но именно акварель особенно восприимчива к темпераменту и «движению кисти», исходящего из движения духа мастера. В этом кроется основная тайна и проблема владения техникой.

В методической работе использовались некоторые моменты из статей:

http://yandex.ru/-Е. Базанова. Стихия воды и краски. О технике акварельной живописи.

Источник http: //yandex.ru/-Назаров А. К. "Основные способы акварельной живописи"

Библиография:

Рисуем натюрморт: Акварель, гуашь,масляные краски, акрил,пастель, графитные карандаши и многое другое/ пер. с англ.- М.: Астель, 2012.- 32с.:илл.- (рисование. Все техники в одной книге).

Сокольникова Н.М. Изобразительное искусство: Учебник для уч. 5-8 кл.: В 4 ч.- Обнинск: Титул, 1999.

Школа изобразительного искусства: Вып. 2/А.Н. Буйнов, Е.Н. Елизарова, Б.В. Иогансон и др.- М.: Изобразительное искусство, 1988.- 160 с.: илл.

Рисунок. Акварель: Вторая Всероссийская выставка.- Л.: Художник РСФСР, 1981.- 156 с.: илл.

Ростовцев Н.Н. Методика преподавания изобразительного искусства в школе: учебник для студентов худож.-графиков фак. Пед. инс-тов.- 2-е изд., доп. И перераб.- М.:Просвещение, 1980.- 239с.: илл.

Маслов Н.Я. Пленер: практика по изобр. Иск-ву: учеб. Пособие для студентов худож.- граф. Фак. Пед. ин-тов.- М.: Просвещение, 1984.- 112с.: илл.

Современная советская акварель/ Сост. Альбома и науч. аппарата Н. А. Володина.- М.: Сов. Художник, 1983.- 258 с.: илл.

---