Изобразительный язык богат возможностями для выражения мыслей о мире, нас окружающем. Художник оперирует цветом, знаками и образами, раскрывая идею своего произведения. В классическом изобразительном искусстве развита целая система художественных средств для прочтения замысла картины. Особенностью любительского творчества является то, что самодеятельные художники пишут картины вне правил живописи. Их творчество основывается на чувствах и природном таланте. Не имея профессионального образования и не будучи знакомы с законами изобразительного языка, художники-любители творят, чтобы выразить душевные переживания, выплеснуть переполняющие их эмоции.
Художников-любителей сейчас не мало. Доступность художественных материалов позволяет обращаться к изобразительному творчеству все большему количеству людей. Растет интерес к любительскому творчеству. Повсеместно проходят выставки самодеятельного изобразительного творчества, на которых представляются самые разнообразные жанры и техники живописи. Многие из художников-любителей обладают несомненным талантом, но среди многочисленности авторов, выделяются мастера, обладающие особым творческим даром. Их картины наполнены душевным теплом и глубокой искренней добротой. Такие произведения, несмотря на то, что выполнены не профессионалами, восходят к высоте искусства.
Как и любая другая категория искусства, любительская живопись имеет своих почитателей. Об этом говорит интерес к выставкам картин художников любителей, которые уже давно и прочно вошли в современную культурную жизнь. В частных собраниях, собраниях различных музеев стали формироваться коллекции народного творчества «наивного» направления. Так, в Национальном музее истории и культуры коллекция «наивного» искусства начала собираться еще в 1965 году. В сегодняшних реалиях тот, кто серьезно интересуется народной живописью и при этом бывает за рубежом, может посетить музеи «наивного», иначе – инситного, искусства, которые есть во многих странах. В России музей наивного искусства создан в Москве. Он появился в конце XX века и пользуется популярностью. По примеру столичных собраний и в регионах растет интерес к народному изобразительному творчеству. В Вологодском областном научно-методическом центре культуры (ОНМЦК) уже несколько лет формируется коллекция произведений самодеятельных художников. Официально художественное собрание ОНМЦК было зарегистрировано в 1997 году. Целью создания собрания стала поддержка одного из направлений деятельности Областного научно-методического центра культуры – развитие самодеятельного народного творчества.
Собрание формируется из высокохудожественных произведений современного художественного народного, декоративно-прикладного и изобразительного искусства и содержит два фонда: основной и научно-вспомогательный. Основной фонд составляют предметы, имеющие историко-художественную ценность в области народного изобразительного, декоративно-прикладного искусства, ремесла и рукоделия. Научно-вспомогательный фонд - зарисовки, эскизы к картинам, ценные фотографии и рукописные материалы о творчестве известных народных авторов, а также менее ценные в художественном отношении произведения народных мастеров и художников, методические разработки, видеозаписи.
Сегодня коллекция Центра насчитывает более восьмисот единиц хранения, из них более пятисот находятся в основном фонде, более двухсот – в научно-вспомогательном фонде.
Картины талантливых «самоучек» составляют одну из значительных частей художественного собрания народного творчества ОНМЦК. В ней представлен весь спектр жанров и множество художественных направлений живописи. Но приоритетным аргументом для включения картин того или иного автора в состав художественного собрания остается стилистика, близкая к народным основам искусства и «наивное» направление. Отбор при приобретении произведения в коллекцию тщателен и педантичен. Поэтому, несмотря на то, что в Вологодской области более шести сотен человек, не имея профессионального образования, занимаются изобразительным творчеством, лишь немногим более сорока имен украшают своими произведениями художественное собрание ОНМЦК. И, как результат, художественное собрание состоит из лучших произведений изобразительного искусства, продолжающих народные традиции живописи.
Особенно ценными и интересными в художественном собрании являются картины исторического жанра. Этот жанр представлен творчеством нескольких художников любителей Вологодской области. В. Н. Сивцов, А. Д. Щепелин, Р. М. Богданов – художники разные по стилям живописи, характерам, темпераменту. Объединяет живописцев то, что в их картинах доминирует человек как творец истории, участник прошедших событий.
Коллекция картин Владимира Николаевича Сивцова одна из самых многочисленных в художественном собрании. Имя этого художника известно не только в Вологде. Его работы не раз принимали участие в Международной выставке «Инсита» в г. Будапеште, в российских выставках наивного искусства в Москве. Произведения художника отличаются непосредственностью. Его изобразительный язык ясен, красив и выразителен. Произведения В. Н. Сивцова по праву получили оценку искусствоведов как «шедевры народного творчества, раритетные произведения» (Каталог выставки «Наивное искусство России», Москва, 1998).
Одна из самых популярных работ Сивцова, принадлежащая художественному собранию ОНМЦК – «Адам и Ева в Раю» (1994). Она была приобретена после смерти художника у его сына В. В. Сивцова. Эта картина положила начало серии работ на библейскую тему. Обращение к теме христианства не было случайным для художника. Характерным для Сивцова были интерес к ярким образам, обостренное чувство справедливости и любви к людям. Неравнодушие наложило отпечаток на всю жизнь Владимира Николаевича. Даже при выборе профессии он проявил свою романтическую натуру и посвятил себя служению Отечеству в рядах Советской Армии на Дальнем Востоке, а после увольнения в запас в 1955 году поступил на службу в органы внутренних дел в Вологде. Выйдя на пенсию в 1978 году, Владимир Николаевич не удовлетворился тишиной и покоем заслуженного отдыха. Его душа, как в молодости, стремилась к новым впечатлениям и самоотдаче. Поиск привел его к прочтению Библии, в которой он открыл для себя альтернативное понимание окружающего мира. Как откровение стало для Сивцова христианское мировоззрение. В нем он нашел радость любви к человеку и определение самоценности личности в этом мире то, что было в дефиците в мире реальном и то, во что он страстно верил. И естественно, что художник не мог не выразить свое отношение к волнующей его теме через картины. Через библейские темы в картинах Сивцов утверждал свое понимание трепетности человеческих отношений и эмоций, взаимосвязь человека и природы как единосозданных.
В картине «Адам и Ева в Раю» художник не просто пересказывает текст Библии, а повествует о той жизни, которая, по его мнению, и есть блаженство. Миром, покоем и красотой дышат природа и люди в его работе: раскидистое дерево, как образ рая, цветет и благоухает; животные в дружбе между собой; женщина и мужчина обнажены не только телом, но и душой, так как им нечего скрывать и некого бояться.
В колорите картины нет яркости и праздничности. Художник пользуется чистыми, но мягкими цветами, что добавляет в духовное состояние сюжета картины покой и неземную чистоту. Здесь нет тени. Каждая деталь этого мира сама излучает свет, и потому объемы форм лишь угадываются, цвета локальны.
За первой картиной последовала работа «Адам и Ева после изгнания из Рая» (1995). Затем еще несколько сюжетов из христианства нашли отражение в его произведения. В них художник повествует о событиях просто и непосредственно. Не увлекаясь божественностью происходящего, В. Н. Сивцов трактует библейский сюжет как факт исторический, как реальность.
В творчестве Сивцова всегда находили отражение сильные человеческие эмоции. Любовь, ненависть, печаль, радость – все, что тревожило художника, волновало душу, развивалось в сюжет картины. В его стиле было изображение ярких исторических событий, представленных в таких картинах как «Куликовская битва. 1380г.» (1992), «Вологда встречает героев космоса Беляева и Леонова» (1994), «Они защищали демократию» (1991).
Еще одна серия работ художника отражена в художественном собрании ОНМЦК – портреты великих людей России. И в них вновь автор делает акцент на ярких человеческих отношениях: Пушкин у него влюбленный романтик, прогуливающийся вместе с Анной Керн; Степан Разин изображен в момент выбора между чувством любви и верностью друзьям, бросающий княжну в волны реки.
Живописные произведения Анатолия Дмитриевича Щепелина еще один пример того, когда наполненная событиями судьба человека обратилась многообразием творчества художника. За свою жизнь Анатолий Дмитриевич побывал в разных уголках нашей страны, имел отношение к самым разнообразным профессиям. После окончания Великоустюгского строительного техникума с 1938 года он работал в Никольском райисполкоме. А в 1939 году ушел на Черноморский флот, где и прослужил до начала Отечественной войны. В сентябре 1941 года в составе первого морского добровольного отряда ушел на защиту города Одессы, где и был ранен. После была оборона Крыма и города Севастополя, Карельский фронт, Халкингол, Порт-Артур и Южный Сахалин. После демобилизации его многогранная личность находила себе применение в самых разнообразных сферах деятельности. Щепелин работал учителем рисования и черчения, директором Дома культуры, техником-строителем, архитектором, прорабом на Череповецком металлургическом заводе. После выхода на пенсию Анатолий Дмитриевич переехал в город Никольск, где и начал писать картины о своей жизни, жизни людей, его окружающих.
В художественном собрании представлены работы Щепелина различных жанров. Здесь и батальные сцены с эпизодами Великой Отечественной войны, и мирная жизнь современников автора, и история его родного Никольска, портреты дорогих для художника людей.
Картины наивного направления живописи в большинстве случаев подробны в деталях. Каждая из них служит развитию сюжета, характеристике темы. Картины Щепелина не исключение. Засыпанные снегом, белеющие стволами березки, следы на снегу от полозьев и валенок, или лодки с людьми на воде, корабли с орудиями – все помогает выстроить повествование картины.
К каждой теме автор относится с особым трепетом, передавая свои эмоции и зрителю. Но особым переживанием в творчестве художника наполнена военная тема. Выстраданная героическая правда о времени Великой Отечественной войны, в картинах Щепелина приобретает суровую репортерскую направленность. Будучи участником событий, Анатолий Дмитриевич по своим воспоминаниям пишет картины «Высадка морского десанта под Одессой в 1941 г.» (2003), «Атакуют черные дьяволы» (2002), «Севастополь наш» (2002). Строя композицию картин, художник вспоминает места расположения не только боевой техники, но и каждого участника боев. Документальная точность – непременное условие для Щепелина. Как для человека военного, все имеет для него значение при рассказе о стратегии. При этом Щепелин не старается донести до зрителя портретное сходство действующих лиц. Художник оперирует образами, не ставя перед собой задачу непременной фотографической узнаваемости. Для него достаточно того, что он сам знает имена людей, воевавших с ним бок о бок.
Роман Михайлович Богданов – молодой художник не только по творческому опыту, но и по возрасту. Тем удивительнее то, что так пронзительно говорит он о человеческих чувствах справедливости и достоинства. В художественном собрании лишь одна картина художника. Но глядя на нее, можно уверенно сказать о том, что ее автор – мастер психологического портрета.
Картина Богданова называется «Жить вопреки всему». Ее трудно отнести к наивному направлению, хотя автор и является художником-любителем. Реализм портретного изображения человека, ослепшего на один глаз, без пальцев рук, которыми он опирается на инвалидную трость, приобщает эту картину к профессиональному искусству. В картине молодого художника Романа Богданова так же пронзителен образ послевоенного калеки, как и в произведении «Следы Войны» одного из величайших художников двадцатого века Гелия Коржева.
Не всем художникам-любителям близка историческая тема. В художественном собрании ОНМЦК есть картины, которые по своему идейному содержанию далеки от проходящих во времени событий, этических проблем, а выражают другие вечные ценности. Многие художники считают своей главной задачей отразить красоту этого мира, гармонию природы и ее умиротворенность. Пейзаж – один из любимых жанров художников-любителей.
Пейзажный ряд в собрании ОНМЦК разнообразен по стилистическим направлениям, одно из которых представляет работы художников наивного искусства. Как и тематические работы, пейзаж у наивистов легок для понимания, повествователен и подробен в деталях. Но его визуальная простота ни в коей мере не говорит о его примитивности и бездушности. Напротив, художник строит образ природы, дотошно вникая во все подробности, добиваясь точности в характеристике, которыми сам ее наделил. Художник становится соавтором природы в созидании красоты.
Один из таких авторов, работы которого находятся в коллекции – Валентина Романовна Урюпина . Родом она из Ставрополья. Богатая цветом и солнцем природа Юга России еще в детстве пробудила в ней тягу к прекрасному. Но судьба распорядилась так, что после замужества Валентина с семьей переехала жить в село Верховажье. И теперь весь свой талант она отдает северной природе.
На первый взгляд в пейзажах Валентины Урюпиной все просто. Голубое небо, зеленые деревья, синяя вода. Но художник чувствует гармонию природы, ее скромную прелесть и талантливо выражает свои ощущения в картинах. В лирических пейзажах Валентины Романовны – вся красота природы: шум травы под порывом летнего ветра, нежность тихой воды в реках, покой лесов.
Отсутствие в произведениях сюжетного либо образного действия рождают в душе чувство сердечной простоты, ностальгии по детским впечатлениям. Статичность пейзажей, их затейливые композиционные решения наполняют работы удивительной сказочностью. Красивым узором обрамляют гладь воды растущие по берегам реки деревья. Стволы в лесной чаще строят ритм народной колыбельной песни. Кажется, что еще минута, и на дороге в картине художника покажется Иван-Царевич верхом на Сером Волке, или всплеснет вода под хвостом русалки.
С южным темпераментом Валентина Романовна в картинах одаряет северную природу многоцветием. Солнечные блики на листве деревьев она решает в теплых желтых и оранжевых оттенках. От этого изображения деревьев ложатся на холст пестрой, переливчатой парчой. Краски перетекают одна в другую, передавая вибрацию освещенной солнечным светом листвы. Движение облаков по легкому голубому небу, течение синих вод в реке Ваге передает художник с помощью обогащения цвета множеством нюансов. К голубому примешиваются розовые, фиолетовые, серые, желтые цвета, создавая ощущение пространственного освещения.
Не менее талантливы работы других художников наивистов. Созерцательной чистотой наполнены пейзажи А. А. Архипова, А. А. Соколова из Вологды, А. А. Лебедева из Тарноги. Их тонкое, деликатное отношение к родной северной природе определяет изящную цветовую гамму картин, простые и ясные композиции. Пейзажи этих художников привлекают бархатной фактурой листвы, пушистой травы, воды, неба с легкими облаками. Цветовые переходы так нежны, что порой формы предметов теряются, перетекая друг в друга, и ясным остается только ощущение вибрации воздуха в природе.
Пейзажи реалистического направления в самодеятельном творчестве – явление распространенное и закономерное. Многие непрофессиональные живописцы стремятся овладеть мастерством и классическими приемами изобразительного искусства. Природный талант и приобретенный опыт в классическом искусстве дают возможность любителю изобразительного творчества вырасти в мастера, имеющего полное право на звание художника.
В художественном собрании есть работы нескольких живописцев, которые самостоятельно прошли путь от любительского до профессионального искусства. Их отличают не только знания технологии живописи и мастерство, но и обладание своим почерком при создании живописных произведений. Каждый из них по-своему понимает природную красоту и передает свое отношение к ней.
Лиричен пейзаж Н. Ю. Тонковой, приобретенный в 2006 году в художественное собрание ОНМЦК. Эта художница отдает приоритет в своем творчестве пейзажу, находя в нем удивительное очарование. Ее живопись отличает прозрачность, игра светлых и темных пятен, которые выстраивают композицию картины и наполняют ее воздушной вибрацией, легким шумом.
Еще один мастер пейзажа – художник из города Харовска А. А. Малков. Его работы близки классическому письму. Мастерство цветовидения, композиционное чутье художника рождает картины профессионального плана. Мягкое и гармоничное сочетание зелени листьев, теплых оттенков воды и серо-голубого неба точно характеризуют северную природу в летнюю пору в картине художника «Харовские места». Чувства покоя и мира наполняют произведение и находят отклик в душе каждого зрителя.
В картине Малкова «Дорога в гору» меняется цветовая гамма, а вместе с тем и чувства у зрителя возникают иные. «Дорога в гору» ведет нас по весеннему, предвкушающему бурное цветение полю. Яркая зелень прозрачна и свежа. Высокое голубое небо воздушно и легко. Художник мастерски наполняет картину радостным волнением и оптимизмом.
Александр Африканович Малков уже давно признанный художник, и не только в Харовске. Его работы пользуются популярностью у многих любителей живописи и вызывают неподдельный интерес у профессионалов в Вологде, Москве и других городах России. Не замыкаясь только на своем творчестве, художник преподает живопись в харовском Центре традиционной народной культуры, делясь своим опытом с благодарными и многочисленными учениками.
В художественном собрании ОНМЦК представлены картины и других, менее популярных, но не менее любимых авторами жанров: портреты, натюрморты, бытовая картина. Несколько произведений в собрании отражают литературные пристрастия в изобразительном творчестве самодеятельных авторов. Так художник из Грязовца Е. Ю. Капустин представлен в художественном собрании своей работой на тему рассказа Василия Белова «Привычное дело». Картина «Татьяна чистая душою» художницы из Вологды Т. И. Шамариной ведет нас к поэзии А. С. Пушкина. Причем, нужно отметить, что эта картина не является случайным, одиночным явлением в творчестве художницы. Ее живописные темы часто соседствуют с русской литературой. С особой любовью она уже несколько лет раскрывает в своем творчестве тему романа «Евгений Онегин». Героиня романа созвучна ей не только именем, но и своим мировоззрением, мироощущением.
Картины коллекции ОНМЦК демонстрируют современное состояние художественного самодеятельного творчества Вологодской области во всей полноте. Многообразие пластическо-живописных форм, жанрово-тематического содержания, авторских индивидуальностей, эстетических представлений отражено в содержании художественного собрания. Анализ собранного материала дает возможность оценить развитие современной художественной культуры, ее явления и процессы.
На материалах художественного собрания ведется не только аналитическая работа, но и, учитывая потребность в популяризации любительского изобразительного творчества, предметы коллекции постоянно экспонируются на различных выставках и фестивалях. Мобильность экспонатов дает творчеству художников реальный выход в сферу жизни и искусства.
Самодеятельное изобразительное творчество продолжает развиваться. Появляются новые самобытные авторы, создаются интересные живописные произведения. Это дает повод для дальнейшего развития художественного собрания ОНМЦК и обогащения материала для изучения и популяризации любительского изобразительного творчества.
Наталья Кулижникова, искусствовед
Плюсануть
Понять искусство не так сложно, как кажется. Для этого не обязательно учиться несколько лет на искусствоведа. Достаточно пообщаться со знатоками, которые расскажут о знаменитых полотнах так, что потом в музее их можно будет увидеть с неожиданной стороны. Лектор образовательного проекта Level One, дипломированный историк искусства Наталья Игнатова раскрыла тайны пяти самых загадочных картин Третьяковской галереи. Благодарим проект Level One за предоставленный материал. Благодаря работе ребят многие научатся разбираться в прекрасном и получать кайф от этого.
«Богатыри», Виктор Васнецов, 1898 год
Картине с тремя героями былин и сказок Виктор Васнецов посвятил значительную часть своей жизни. Полотно является одним из рекордсменов Третьяковки по количеству лет, потраченных на его создание. Первый набросок художник сделал в 1871 году, а закончил свой шедевр только в 1898-м.
Вопреки расхожему мнению о том, что богатыри выехали в поле просто прогуляться и обозреть окрестности, они готовы вот-вот ринуться в бой. Враг стоит вдалеке как бы за спиной зрителя, о его присутствии свидетельствуют сгущающиеся тучи, ястребы, которые предвкушают добычу, но главное - это выдвинутый меч Добрыни Никитича и готовый к выстрелу лук в руках Алеши Поповича. Прообразом Ильи Муромца стал император Александр III, Добрыню Никитича художник писал с самого себя, а вот прототип Алеши Поповича достоверно неизвестен, им мог быть простолюдин - Васнецов в процессе работы над картиной рисовал много портретов крестьян, извозчиков и кузнецов, которые, как ему казалось, были чем-то похожи на знаменитых сказочных персонажей.
«Неравный брак», Василий Пукирев, 1862 год
Сюжет для картины подсказал Василию Пукиреву его друг, художник Петр Шмельков. Тот хорошо знал нравы состоятельных и влиятельных людей, для которых браки по расчету были обыденностью. Пукирев отблагодарил приятеля за идею, изобразив его справа за спиной невесты. Присутствует на картине и сам живописец: он написал себя в профиль в образе шафера невесты со скрещенными руками. Изначально художник не планировал помещать себя на полотно: на его месте был приятель, чью возлюбленную выдали замуж за пожилого. Причем друг Пукирева в силу семейных обстоятельств вынужден был присутствовать на том неприятном для себя венчании именно в качестве шафера.
Впоследствии приятель попросил художника убрать его с полотна, чтобы общие знакомые и родственники не вспоминали лишний раз эту историю. Тогда Пукирев и написал себя вместо него. Если визуально разделить полотно по диагонали от верхнего правого угла к нижнему левому, то в правой части окажутся невеста и два ее друга. В то время как слева расположились родственники и друзья жениха, нарочито изображенные неприятными людьми. Таким образом, полотно делится на две смысловые части, как бы олицетворяющие добро и зло. Причем священник оказывается на стороне зла. Этот прием свидетельствует о приверженности художника принципам реализма, тем самым он ставит вопрос о роли церкви в обществе.
«Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин, Константин Савицкий, 1889 год
Не все любители сладостей знают, что над знаменитым полотном, которое было затем растиражировано на фантиках шоколадных конфет, работали два художника. Шишкин отвечал за лес, а Савицкий - за медведей. Более того, сюжет картины придумал именно Савицкий. Медведей изначально было двое, но потом их число выросло. Коллекционер Павел Третьяков приобрел картину за 4 тысячи рублей.
Однако считается, что коллекционеру не понравилась работа Савицкого. По легенде, Третьяков сказал: «Что за медведи страшные!» И фамилия Савицкого на полотне была замазана: по одной из версий, это сделал Третьяков, а по другой - сам художник, который обиделся, не стерпев критики со стороны галериста. Мастерство Шишкина выражено в освещении леса: на верхушках сосен мастерски выписаны первые лучи солнца, которые зрители обычно не замечают, отвлекшись на фигуры медведей.
«Явление Христа народу», Александр Иванов, 1857 год
Первую значимую картину на библейский сюжет Александр Иванов написал в 1834 году. Это было «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине». И уже через три года, в 1837-м, он приступил к созданию главного произведения своей жизни - эпохального полотна «Явление Христа народу». Художник работал над картиной в течение 20 лет в Италии. В процессе создания полотна он сделал более 500 этюдов и эскизов. О том, что Иванов работает над монументальным полотном, знали все ценители живописи в России. В мае 1858 года живописец решился отправить картину в Санкт-Петербург. По легенде, во время путешествия корабль настиг сильный шторм. Художник свернул холст в трубу и поднял над головой - он предпочел не видеть гибель своего творения, а утонуть самому, если корабль пойдет под воду.
Однако полотно все же прибыло в Санкт-Петербург, где было выставлено в одном из залов Академии художеств. Публика картину приняла холодно - были претензии и к слишком маленькой фигуре Христа, и к воде, изображенной не в академической манере, а свободными мазками. Любопытно, что Иванов в этом смысле опередил время, потому что позже в похожей манере будут работать импрессионисты. Кроме того, полотно оказалось незаконченным. В левой части виден старец в белой набедренной повязке, которая отражается в воде красным пятном. На эскизах повязка действительно была красной, и художник, судя по всему, просто забыл ее перекрасить. Спустя месяц после презентации работы Иванов скончался, а через несколько часов после его смерти император Александр II приобрел картину за 15 000 рублей. Несмотря на то, что сумма была солидная, изначально художник, посвятивший этой работе половину жизни, рассчитывал на гораздо больший гонорар, но, к сожалению, не успел получить даже эти деньги.
«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год
Картина передвижника Василия Поленова тесно связана с другой его работой под названием «Бабушкин сад». На обоих полотнах изображен один и тот же дом в районе Арбата, только с разных сторон. Поленов написал свое самое знаменитое произведение, переехав в Москву из Петербурга и поселившись в одной из квартир дома на пересечении Дурновского и Трубниковского переулков близ церкви Спаса на Песках.
Изображенный на картине вид открывался из его окна. Причем на создание шедевра Поленову потребовалось совсем немного времени: по сути, это этюд, написанный с натуры. Впервые в истории русской живописи художник объединил два жанра - бытовой и пейзаж. Публика, уставшая от мрачных и депрессивных полотен передвижников, приняла жизнерадостную солнечную картину с восторгом. Никого не смутила даже помойка, изображенная в левом нижнем углу, которую большинство зрителей принимают за колодец.
Понять искусство не так сложно, как кажется. Для этого не обязательно учиться несколько лет на искусствоведа. Достаточно пообщаться со знатоками, которые расскажут о знаменитых полотнах так, что потом в музее их можно будет увидеть с неожиданной стороны.
Лектор образовательного проекта Level One, дипломированный историк искусства Наталья Игнатова раскрыла тайны пяти самых загадочных картин Третьяковской галереи.
«Богатыри», Виктор Васнецов, 1898 год
Картине с тремя героями былин и сказок Виктор Васнецов посвятил значительную часть своей жизни. Полотно является одним из рекордсменов Третьяковки по количеству лет, потраченных на его создание. Первый набросок художник сделал в 1871 году, а закончил свой шедевр только в 1898-м.Вопреки расхожему мнению о том, что богатыри выехали в поле просто прогуляться и обозреть окрестности, они готовы вот-вот ринуться в бой. Враг стоит вдалеке как бы за спиной зрителя, о его присутствии свидетельствуют сгущающиеся тучи, ястребы, которые предвкушают добычу, но главное - это выдвинутый меч Добрыни Никитича и готовый к выстрелу лук в руках Алеши Поповича. Прообразом Ильи Муромца стал император Александр III, Добрыню Никитича художник писал с самого себя, а вот прототип Алеши Поповича достоверно неизвестен, им мог быть простолюдин - Васнецов в процессе работы над картиной рисовал много портретов крестьян, извозчиков и кузнецов, которые, как ему казалось, были чем-то похожи на знаменитых сказочных персонажей.
«Неравный брак», Василий Пукирев, 1862 год
Сюжет для картины подсказал Василию Пукиреву его друг, художник Петр Шмельков. Тот хорошо знал нравы состоятельных и влиятельных людей, для которых браки по расчету были обыденностью. Пукирев отблагодарил приятеля за идею, изобразив его справа за спиной невесты. Присутствует на картине и сам живописец: он написал себя в профиль в образе шафера невесты со скрещенными руками. Изначально художник не планировал помещать себя на полотно: на его месте был приятель, чью возлюбленную выдали замуж за пожилого. Причем друг Пукирева в силу семейных обстоятельств вынужден был присутствовать на том неприятном для себя венчании именно в качестве шафера.Впоследствии приятель попросил художника убрать его с полотна, чтобы общие знакомые и родственники не вспоминали лишний раз эту историю. Тогда Пукирев и написал себя вместо него. Если визуально разделить полотно по диагонали от верхнего правого угла к нижнему левому, то в правой части окажутся невеста и два ее друга. В то время как слева расположились родственники и друзья жениха, нарочито изображенные неприятными людьми. Таким образом, полотно делится на две смысловые части, как бы олицетворяющие добро и зло. Причем священник оказывается на стороне зла. Этот прием свидетельствует о приверженности художника принципам реализма, тем самым он ставит вопрос о роли церкви в обществе.
«Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин, Константин Савицкий, 1889 год
Не все любители сладостей знают, что над знаменитым полотном, которое было затем растиражировано на фантиках шоколадных конфет, работали два художника. Шишкин отвечал за лес, а Савицкий - за медведей. Более того, сюжет картины придумал именно Савицкий. Медведей изначально было двое, но потом их число выросло. Коллекционер Павел Третьяков приобрел картину за 4 тысячи рублей.Однако считается, что коллекционеру не понравилась работа Савицкого. По легенде, Третьяков сказал: «Что за медведи страшные!» И фамилия Савицкого на полотне была замазана: по одной из версий, это сделал Третьяков, а по другой - сам художник, который обиделся, не стерпев критики со стороны галериста. Мастерство Шишкина выражено в освещении леса: на верхушках сосен мастерски выписаны первые лучи солнца, которые зрители обычно не замечают, отвлекшись на фигуры медведей.
«Явление Христа народу», Александр Иванов, 1857 год
Первую значимую картину на библейский сюжет Александр Иванов написал в 1834 году. Это было «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине». И уже через три года, в 1837-м, он приступил к созданию главного произведения своей жизни - эпохального полотна «Явление Христа народу». Художник работал над картиной в течение 20 лет в Италии. В процессе создания полотна он сделал более 500 этюдов и эскизов. О том, что Иванов работает над монументальным полотном, знали все ценители живописи в России. В мае 1858 года живописец решился отправить картину в Санкт-Петербург. По легенде, во время путешествия корабль настиг сильный шторм. Художник свернул холст в трубу и поднял над головой - он предпочел не видеть гибель своего творения, а утонуть самому, если корабль пойдет под воду.Однако полотно все же прибыло в Санкт-Петербург, где было выставлено в одном из залов Академии художеств. Публика картину приняла холодно - были претензии и к слишком маленькой фигуре Христа, и к воде, изображенной не в академической манере, а свободными мазками. Любопытно, что Иванов в этом смысле опередил время, потому что позже в похожей манере будут работать импрессионисты. Кроме того, полотно оказалось незаконченным. В левой части виден старец в белой набедренной повязке, которая отражается в воде красным пятном. На эскизах повязка действительно была красной, и художник, судя по всему, просто забыл ее перекрасить. Спустя месяц после презентации работы Иванов скончался, а через несколько часов после его смерти император Александр II приобрел картину за 15 000 рублей. Несмотря на то, что сумма была солидная, изначально художник, посвятивший этой работе половину жизни, рассчитывал на гораздо больший гонорар, но, к сожалению, не успел получить даже эти деньги.
«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год
Картина передвижника Василия Поленова тесно связана с другой его работой под названием «Бабушкин сад». На обоих полотнах изображен один и тот же дом в районе Арбата, только с разных сторон. Поленов написал свое самое знаменитое произведение, переехав в Москву из Петербурга и поселившись в одной из квартир дома на пересечении Дурновского и Трубниковского переулков близ церкви Спаса на Песках.Изображенный на картине вид открывался из его окна. Причем на создание шедевра Поленову потребовалось совсем немного времени: по сути, это этюд, написанный с натуры. Впервые в истории русской живописи художник объединил два жанра - бытовой и пейзаж. Публика, уставшая от мрачных и депрессивных полотен передвижников, приняла жизнерадостную солнечную картину с восторгом. Никого не смутила даже помойка, изображенная в левом нижнем углу, которую большинство зрителей принимают за колодец.
«Явление Христа народу» А.А. Иванов
А.А. Иванова можно назвать «художником одной картины». Эпическое полотно «Явление Христа народу» он писал 20 лет. На картине изображен момент сошествия Христа к реке Иордан и встречи его с Иоанном Крестителем. Моделями для многих персонажей картины послужили реальные люди – в частности, сам художник и его друг Н.В. Гоголь.
Картина была выставлена в Санкт-Петербурге в мае 1858 года, а через полтора месяца художник скончался. Когда в 1925 году картину было решено переместить в Третьяковскую галерею, для громадного полотна размером 5,4 х 7,5 метров не нашлось подходящего по размеру помещения, и для нее к основному зданию галереи пришлось пристраивать отдельный зал.
☼ ☼ ☼«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года» («Иван Грозный убивает своего сына»), И. Е. Репин
До сих пор точно не известно, действительно ли Иван Грозный убил своего сына в припадке ярости, или это историческая легенда. Но это и неважно. На картине И.Е. Репина изображено главное – глубинная сущность зла, выросшего из упоения властью, деспотизма и вседозволенности. Это не только ошеломляющее по силе воздействия полотно, но и яркий индикатор человеческой злобы и нетерпимости.
Картина «Иван Грозный» стала первым в истории России произведением живописи, которое подверглось цензуре. Император Александр III запретил П. Третьякову, который купил картину, выставлять ее либо показывать частным образом. Сам Третьяков испытывал настолько сильное негативное эмоциональное воздействие этого произведения, что ему пришлось переместить полотно в отдельное помещение. В 1913 году картина подверглась вандализму – была изрезана неуравновешенным старообрядцем-иконописцем. В 2013 г. группа агрессивных православных активистов попыталась организовать удаление картины из экспозиции музея.
☼ ☼ ☼«Апофеоз войны» В.В. Верещагин
«Апофеоз войны» - глубоко символичная картина знаменитого художника-баталиста Верещагина, которому довелось участвовать в военных действиях по всему миру, от Балкан до Туркестана, Индии и Китая. Это яркий и выразительный протест против войн и насилия.
Сам Верещагин с горькой иронией определял жанр своей картины так: «если не считать ворон, то это натюрморт, в переводе с французского "мертвая природа"». Действительно, огромная гора черепов, иссеченных саблями и пробитых пулями, в иссохшей каменной пустыне под ярко-синим небом – «мертвая природа», закономерный итог любых военных конфликтов. На раме картины сделана надпись: «Посвящается всем великим завоевателям - прошедшим, настоящим и будущим».
☼ ☼ ☼«Боярыня Морозова» В. И. Суриков
Эпическое историческое полотно было написано В. Суриковым по мотивам «Повести о боярыне Морозовой» - жизнеописания героини старообрядческого движения, которое было популярно в его родных сибирских краях. Картина «Боярыня Морозова» до сих пор остается одной их центральных в экспозиции Третьяковской галереи. Критики того времени сравнивали ее с «персидским ковром» за изображение пестрой многоликой толпы, образующей своеобразный «узор». Примечательно, что лица всех изображенных персонажей, даже второстепенных, строго индивидуальны и тщательно выписаны. Для этой картины Суриков создал более сотни портретных этюдов!
☼ ☼ ☼«Кружевница» В. А.Тропинин
До 47-летнего возраста В.А. Тропинин был крепостным. Правда, его хозяин, граф Морков, заметил художественное дарование юноши и на несколько лет отправил его учиться в петербургскую Академию художеств, но позже Тропинину пришлось долгие годы совмещать обязанности придворного живописца и слуги. Он получил «вольную» лишь в 1823 г., и в этом же году написал картину «Кружевница», поразившую художественных критиков лиризмом и непосредственностью. Произведение пронизано духом интимности и радости повседневной жизни. Задушевные женские образы Тропинина стали классикой русской живописи, а его самого называли «Русским Рембрандтом».
☼ ☼ ☼«Утро в сосновом лесу» И. Шишкин, К. Савицкий
Картина «Утро в сосновом лесу» больше известна в России под народным названием «Три медведя». Во времена СССР выпускались популярные шоколадные конфеты «Мишка косолапый», на обертке которых была изображена репродукция этого произведения. На самом деле медведей на картине четыре, а не три. Затянутый утренним туманом вековой бор принадлежит кисти непревзойденного мастера пейзажа И. Шишкина, забавных медвежат написал художник Константин Савицкий. Но после приобретения картины П. Третьяков стер подпись Савицкого, поэтому ее авторство долго приписывали одному Шишкину.
☼ ☼ ☼«Демон сидящий» М. Врубель
Врубелевские образы демонов – уникальное явление в русской живописи. Они не имеют ничего общего с библейским воплощением зла. Демоны Врубеля олицетворяют силу и величие человеческого духа, обуреваемого сомнениями, скорбью и страданиями. Наиболее выразителен в этой галерее образов «Демон сидящий». Он воплощен в образе юноши, словно зажатого между верхней и нижней гранью картины на фоне пылающего заката. Эффект тревоги и смятения подчеркивает специфическая, неповторимая живописная манера Врубеля, - резкие вибрирующие мазки, напоминающие мозаику. Вопреки распространенному мнению, «Демон» написан еще до того, как Врубель начал иллюстрировать одноименную поэму Лермонтова.
☼ ☼ ☼«Богатыри» В. Васнецов
«Богатыри» - не только самая известная картина В. Васнецова, но и одно из самых популярных художественных произведений в России. Ее знают все от мала до велика, чаще под названием «Три богатыря». Богатырская тематика – основа народной мифологии Руси. Имена Ильи Муромца, Добрыни Никитича и Алеши Поповича, доблестных защитников русского народа, знакомы нам с детства.
В. Васнецов писал картину «Богатыри» более 20 лет, доводя до совершенства каждую деталь. Он считал эту работу своим «творческим долгом, обязательством перед родным народом». Меценат Савва Мамонтов построил в имении Абрамцево отдельный павильон, где Васнецов мог работать над огромным полотном. Прообразом Ильи Муромца стал кузнец из Абрамцева Иван Петров, Алеши Поповича – младший сын Мамонтова Андрей. А вот Добрыня Никитич – собирательный образ самого художника, его отца и деда.
☼ ☼ ☼«Девочка с персиками» В.А. Серов
«Девочка с персиками» - одно из самых радостных, свежих и лирических живописных полотен конца XIX века. Она была написана двадцатидвухлетним В. Серовым в Абрамцево – усадьбе мецената Саввы Мамонтова, где часто собирались известнейшие художники того времени. На портрете изображена дочь хозяина, 12-летняя Вера Мамонтова. Кстати, персики, разложенные на столе, вовсе не были привезены из теплых краев, их выращивал в оранжерее усадьбы садовник-виртуоз. Позже В. Серов стал одним из лучших портретистов Европы и увековечил многих знаменитых современников, но «Девочка с персиками» до сих пор остается самой известной его работой.
☼ ☼ ☼«Купание красного коня» К.П. Петров-Водкин
«Купание красного коня» К. Петрова-Водкина – одно из самых необычных и символичных живописных произведений начала ХХ века. Оригинальная сферическая перспектива и цветовая гамма картины созданы под влиянием традиций русской иконописи и итальянских фресок. Когда критики обвинили художника в том, что красных коней не бывает, он показал им древнерусские иконы, на которых кони были того же цвета. В русской иконописи красный цвет обозначает величие жизни, а иногда и жертву. Современники считали картину Петрова-Водкина пророческой и ассоциировали красного коня с Россией, которую не в силах удержать юный хрупкий всадник.
Если вы нашли опечатку или ошибку, выделите фрагмент текста, содержащий её, и нажмите Ctrl + ↵
Понять искусство не так сложно, как кажется. Для этого не обязательно учиться несколько лет на искусствоведа. Достаточно пообщаться со знатоками, которые расскажут о знаменитых полотнах так, что потом в музее их можно будет увидеть с неожиданной стороны.
Лектор образовательного проекта Level One, дипломированный историк искусства Наталья Игнатова раскрыла тайны пяти самых загадочных картин Третьяковской галереи.
Новости и факты публикует этот потрясающий материал для своего читателя.
«Богатыри», Виктор Васнецов, 1898 год
Картине с тремя героями былин и сказок Виктор Васнецов посвятил значительную часть своей жизни. Полотно является одним из рекордсменов Третьяковки по количеству лет, потраченных на его создание. Первый набросок художник сделал в 1871 году, а закончил свой шедевр только в 1898-м.
Вопреки расхожему мнению о том, что богатыри выехали в поле просто прогуляться и обозреть окрестности, они готовы вот-вот ринуться в бой. Враг стоит вдалеке как бы за спиной зрителя, о его присутствии свидетельствуют сгущающиеся тучи, ястребы, которые предвкушают добычу, но главное - это выдвинутый меч Добрыни Никитича и готовый к выстрелу лук в руках Алеши Поповича.
Прообразом Ильи Муромца стал император Александр III, Добрыню Никитича художник писал с самого себя, а вот прототип Алеши Поповича достоверно неизвестен, им мог быть простолюдин - Васнецов в процессе работы над картиной рисовал много портретов крестьян, извозчиков и кузнецов, которые, как ему казалось, были чем-то похожи на знаменитых сказочных персонажей.
«Неравный брак», Василий Пукирев, 1862 год
Сюжет для картины подсказал Василию Пукиреву его друг, художник Петр Шмельков. Тот хорошо знал нравы состоятельных и влиятельных людей, для которых браки по расчету были обыденностью. Пукирев отблагодарил приятеля за идею, изобразив его справа за спиной невесты. Присутствует на картине и сам живописец: он написал себя в профиль в образе шафера невесты со скрещенными руками. Изначально художник не планировал помещать себя на полотно: на его месте был приятель, чью возлюбленную выдали замуж за пожилого. Причем друг Пукирева в силу семейных обстоятельств вынужден был присутствовать на том неприятном для себя венчании именно в качестве шафера.
Впоследствии приятель попросил художника убрать его с полотна, чтобы общие знакомые и родственники не вспоминали лишний раз эту историю. Тогда Пукирев и написал себя вместо него. Если визуально разделить полотно по диагонали от верхнего правого угла к нижнему левому, то в правой части окажутся невеста и два ее друга. В то время как слева расположились родственники и друзья жениха, нарочито изображенные неприятными людьми. Таким образом, полотно делится на две смысловые части, как бы олицетворяющие добро и зло. Причем священник оказывается на стороне зла. Этот прием свидетельствует о приверженности художника принципам реализма, тем самым он ставит вопрос о роли церкви в обществе.
«Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин, Константин Савицкий, 1889 год
Не все любители сладостей знают, что над знаменитым полотном, которое было затем растиражировано на фантиках шоколадных конфет, работали два художника. Шишкин отвечал за лес, а Савицкий - за медведей. Более того, сюжет картины придумал именно Савицкий. Медведей изначально было двое, но потом их число выросло. Коллекционер Павел Третьяков приобрел картину за 4 тысячи рублей.
Однако считается, что коллекционеру не понравилась работа Савицкого. По легенде, Третьяков сказал: «Что за медведи страшные!» И фамилия Савицкого на полотне была замазана: по одной из версий, это сделал Третьяков, а по другой - сам художник, который обиделся, не стерпев критики со стороны галериста. Мастерство Шишкина выражено в освещении леса: на верхушках сосен мастерски выписаны первые лучи солнца, которые зрители обычно не замечают, отвлекшись на фигуры медведей.
«Явление Христа народу», Александр Иванов, 1857 год
Первую значимую картину на библейский сюжет Александр Иванов написал в 1834 году. Это было «Явление воскресшего Христа Марии Магдалине». И уже через три года, в 1837-м, он приступил к созданию главного произведения своей жизни - эпохального полотна «Явление Христа народу». Художник работал над картиной в течение 20 лет в Италии. В процессе создания полотна он сделал более 500 этюдов и эскизов. О том, что Иванов работает над монументальным полотном, знали все ценители живописи в России. В мае 1858 года живописец решился отправить картину в Санкт-Петербург. По легенде, во время путешествия корабль настиг сильный шторм. Художник свернул холст в трубу и поднял над головой - он предпочел не видеть гибель своего творения, а утонуть самому, если корабль пойдет под воду.
Однако полотно все же прибыло в Санкт-Петербург, где было выставлено в одном из залов Академии художеств. Публика картину приняла холодно - были претензии и к слишком маленькой фигуре Христа, и к воде, изображенной не в академической манере, а свободными мазками. Любопытно, что Иванов в этом смысле опередил время, потому что позже в похожей манере будут работать импрессионисты. Кроме того, полотно оказалось незаконченным. В левой части виден старец в белой набедренной повязке, которая отражается в воде красным пятном. На эскизах повязка действительно была красной, и художник, судя по всему, просто забыл ее перекрасить. Спустя месяц после презентации работы Иванов скончался, а через несколько часов после его смерти император Александр II приобрел картину за 15 000 рублей. Несмотря на то, что сумма была солидная, изначально художник, посвятивший этой работе половину жизни, рассчитывал на гораздо больший гонорар, но, к сожалению, не успел получить даже эти деньги.
«Московский дворик», Василий Поленов, 1878 год
Картина передвижника Василия Поленова тесно связана с другой его работой под названием «Бабушкин сад». На обоих полотнах изображен один и тот же дом в районе Арбата, только с разных сторон. Поленов написал свое самое знаменитое произведение, переехав в Москву из Петербурга и поселившись в одной из квартир дома на пересечении Дурновского и Трубниковского переулков близ церкви Спаса на Песках.
Изображенный на картине вид открывался из его окна. Причем на создание шедевра Поленову потребовалось совсем немного времени: по сути, это этюд, написанный с натуры. Впервые в истории русской живописи художник объединил два жанра - бытовой и пейзаж. Публика, уставшая от мрачных и депрессивных полотен передвижников, приняла жизнерадостную солнечную картину с восторгом. Никого не смутила даже помойка, изображенная в левом нижнем углу, которую большинство зрителей принимают за колодец.
